par Tomorrownowmovement

Vernissage: 24.09 à 18h

TNM est une organisation dédiée au soutien du design, des technologies low-tech et de l'innovation au service de l'emploi, de la résilience et du bien commun. À travers « Utopies vagabondes », TNM offre au public l'opportunité de découvrir un vaste travail de création, d'expérimentation et de recherche autour des enjeux de résilience, d'autonomie et de reconnexion aux territoires, appliqués aux univers de l'habitat nomade, des techniques low-tech et du réemploi des matériaux. Dans son espace ixellois de plus de 2 000 m², TNM présente un panorama inspirant et enchanteur de ses réalisations les plus récentes, témoignant d'une démarche qui conjugue créativité, économie circulaire, innovation sociale et savoir-faire artisanaux.

« En tant qu’artistes visuels, nous nous engageons à interroger et à réinterpréter le monde familier qui nous entoure », disent Fien Muller et Hannes Van Severen, dont la pratique commune mêle art, design et architecture en un langage singulier. D’où vient cette approche distinctive? Qu’est-ce qui vient en premier : la forme ou la couleur ? Et qu’est-ce que cela fait de travailler ensemble en tant que deux véritables visionnaires?

Portrait photo de Fien Muller et Hannes Van Severen par Nacho Alegre

Lisez notre interview de Vincent Van Duysen via ce lien!

Pourquoi ses contemporains considèrent-ils son œuvre comme un « art total » – ou Gesamtkunstwerk ? L’architecte et designer belge de renommée internationale se confie sur la création centrée sur l’humain, l’évolution du design et ce qui nourrit sa vision aujourd’hui.

Lisez notre interview de Vincent Van Duysen via ce lien!

Portrait de Vincent Van Duysen – Photo de Piet-Albert Goethals
Crédits photo pour la galerie :

Ce qui a commencé comme une expérience avec de vieux échafaudages trouvés dans un jardin s'est transformé en objets lumineux. Les matériaux mis au rebut ont été réutilisés et ont trouvé une nouvelle vocation. Chaque lampe conserve la forme et la matérialité caractéristiques de l'échafaudage tout en étant adaptée aux espaces intérieurs. Ces lampes constituent une exploration permanente de l'équilibre entre l'industriel et le domestique, le public et le privé, l'extérieur et l'intérieur. Outre la création d’objets plus petits, je me suis également orienté vers la création de pièces plus grandes et scénographiques. Mon projet le plus récent consiste en la création d’un sapin de Noël « en échafaudage » pour le nouvel hôtel Jam à Gand (conçu par l’Atelier Lionel Jadot). L’entrée nécessitait un sapin de Noël créatif. J’ai créé un sapin à partir de poteaux d’échafaudage d’occasion, de différentes tailles et dans une configuration similaire à celle d’un sapin de Noël domestique classique. À présent, après les fêtes, les poteaux d’échafaudage ont été réorganisés en une nouvelle composition, créant un nouvel objet lumineux qui apporte également une valeur scénographique à l’espace. L'avenir réserve différentes idées, avec le même concept de base. Parmi les nouvelles idées, on trouve par exemple un banc en échafaudage pour les espaces extérieurs, qui intègre à la fois mon concept d'éclairage habituel et une possibilité de s'asseoir. C'est l'une des nombreuses idées potentielles que j'aimerais également perfectionner pour la Brussels Design Week.

KARTELL DAY
Un voyage dans l’histoire du design
À l’occasion de la 20e édition de Brussels Design Week, Kartell Brussels vous invite à une journée consacrée à l’histoire, au patrimoine et à la culture du design italien.
En collaboration avec le Museo Kartell de Milan, cette journée propose un parcours exceptionnel à travers l’histoire du design de Kartell, de la visite guidée au Design Museum Brussels à la rencontre avec Elisa Storace, avant de se poursuivre en soirée au Kartell Brussels Flagship Store.

9h30 – 11h00
Café d’accueil & visite guidée
Design Museum Brussels

11h00 – 13h00
Conversation avec Elisa Storace
Suivie d’une dégustation Sopra/Sotto au Kartell Brussels Flagship Store.

À partir de 18h00
Soirée cocktail & late-night shopping
Kartell Brussels Flagship Store

*Du 26 septembre au 3 octobre 2026 - du mardi au vendredi : de 10 h à 13 h / de 14 h à 18 h, le samedi : de 10 h à 18 h

À l’occasion du lancement de BO–RD, ses résidents – artistes, designers, peintres, sculpteurs et bien d’autres – se réunissent pour la première fois afin de présenter leurs œuvres dans le cadre d’une exposition collective. L’événement est organisé en collaboration avec RotorDC, dont les matériaux et le contexte serviront de cadre à l’exposition.

Une interview avec Lien Van Hecke, Brand Manager de Trademart Bruxelles

L’événement Brussels Interior chez Trademart, situé à côté de l’emblématique Atomium, offre une expérience unique aux professionnels de l’aménagement intérieur. Cette année est particulièrement spéciale, puisque Trademart célèbre la rénovation de certaines zones dans son département Home & Living. Avec plus de 350 marques permanentes et des exposants invités, c’est un hub dynamique où designers, détaillants et architectes peuvent efficacement sourcer des produits, découvrir les dernières tendances et créer des connexions enrichissantes—le tout en une journée inspirante.

Lisez l’interview via le lien !

Vernissage: 24.09 à 18h

À l'occasion de Brussels Design Week 2026, A2D Architects met à disposition son espace de bureaux, un ancien entrepôt rénové situé à Molenbeek, pour accueillir une exposition collective réunissant six designers et studios de design. Dans ce lieu chargé de caractère, différentes visions, matériaux et pratiques du design se rencontrent.
L'exposition s'inscrit dans une réflexion commune sur l'avenir du design et sur notre manière d'utiliser les ressources. Le fil conducteur entre les six participants réside dans leur approche personnelle et consciente des matériaux, de la production et de la circularité.
Chacun, à travers sa propre pratique, explore les possibilités offertes par des matériaux existants, réemployés, recyclés et biosourcés, ainsi que la manière dont le design peut contribuer à une utilisation plus circulaire et responsable de nos ressources.
Avec des œuvres de Rover Project, Duplex, Finkr, Margo Steel, De Staat et Mathieu Paradis, l'exposition rassemble une diversité de perspectives. A2D Architects y intervient en tant qu'hôte et crée un espace propice au dialogue et à l'inspiration, où créativité, expérimentation et regard critique sur les matériaux peuvent ouvrir la voie à de nouvelles façons de concevoir, de produire et de repenser.

Vernissage: 24.09 de 18h à 22h

Dans un monde qui ne ralentit jamais, Airplane Mode célèbre la valeur du faire. Réunissant le travail de designers et d'artistes aux pratiques variées, l'exposition explore la création comme un acte de temps, d'attention et de présence. À l'image du mode avion qui suspend les sollicitations permanentes, chaque processus créatif devient un espace de déconnexion, une bulle où les idées peuvent émerger et se développer à leur propre rythme. À travers des pièces uniques et des éditions limitées, l'exposition met en lumière l'artisanat, l'expérimentation et la beauté d'une création pensée avec soin. Airplane Mode est une invitation à ralentir, à renouer avec la matière et à découvrir des objets façonnés non par la vitesse, mais par le temps et l'attention qui leur sont consacrés.

par Rebecca Rébillé & Marion Zirn

AKKO CAFÉ est un salon de thé japonais / café de spécialité installé dans l’ancienne chocolaterie Irsi, à Bruxelles.
Le projet s’inscrit dans un bâtiment remarquable du patrimoine bruxellois, dont la façade a été restaurée avec soin, révélant sa frise dorée Art déco, ses encadrements en marbre de Portor et sa pierre bleue. L’aménagement intérieur crée un dialogue entre l’esthétique japonaise et l’architecture bruxelloise, nouant la tradition et la modernité. Les boiseries, la continuité entre intérieur et extérieur, et plusieurs éléments inspirés de l’architecture japonaise — comme le cerclage en bois de la baie vitrée ou le petit jardin japonais — composent une atmosphère chaleureuse et apaisante, pensée pour inviter à ralentir et à savourer l’instant.
L’espace accueille également une sélection d’objets artisanaux japonais autour de l’univers du café et du thé. Pour symboliser l’idée d’un espace lumineux et chaleureux, Jane, la fondatrice, s’est inspirée du prénom de sa mère, Akiko. Le kanji associé 晶 (“aki”) évoque une lumière qui se rassemble et rayonne.

Le parcours d’Alain Gilles vers le design a été tout sauf conventionnel. Fort d’une formation en sciences politiques et d’une carrière dans la finance, sa transition vers le monde du design en 2007 a été motivée par une passion pour la créativité, le désir de façonner les objets qui nous entourent et l’envie de laisser une trace. Ce parcours inattendu lui a permis d’apporter un regard unique sur le design de mobilier et de produits, ancré dans la réflexion analytique, mais aussi dans l’intuition et l’émotion. Depuis, son activité s’est développée autour du mobilier, du luminaire et des objets , et celà au travers des collaborations avec certains des plus grands noms internationaux de l’édition du design contemporain.
Pour Alain Gilles, le design est une discipline profondément humaine. Son travail se caractérise par un équilibre harmonieux entre forme et fonction, où chaque courbe, chaque ligne et chaque matériau a une raison d’être. Il estime que le mobilier ne doit pas seulement être beau, mais aussi susciter des émotions, raconter une histoire et créer un lien avec ses utilisateurs. Il accorde une attention particulière à ce qu’il appelle la « lisibilité » de ses pièces. Lorsqu’il évoque son travail, il mentionne souvent la notion de « simplexité » : des pièces faciles à comprendre au premier regard, mais qui révèlent des niveaux de sens plus profonds lorsqu’on les examine de plus près. Plus récemment, il a qualifié certaines de ses créations de pièces «minimalistes radicales», des pièces monolithiques à la fois iconiques et accessibles.
Avec « Almost 20 », Alain Gilles s'éloigne délibérément du format rétrospectif. Plutôt que de revenir sur des œuvres emblématiques ou historiques des deux dernières décennies, il a sélectionné des œuvres pour la plupart réalisées au cours des trois dernières années. L'exposition présente ainsi sa pratique comme un travail en cours, révélant à la fois des continuités récentes et des orientations émergentes à travers d’œuvres qui continuent d'explorer, d'affiner et de remettre en question son propre vocabulaire. Il ne s'agit pas d'une rétrospective, mais d'une célébration tournée vers l'avenir.

Vernissage: 25.09 à 19h

Notre proposition alter alter alter se concentre sur l'intersection de l'engagement social, de la circularité et du design. Pour cette édition, nous proposons les activités suivantes : Exposition de Design Social : Nous souhaitons exposer une sélection d'objets issus de nos projets sociaux et associatifs passés. BankDayBed + Terrazzo Table + A big Column Portes Ouvertes de l'Atelier (Bizet) : Nous souhaitons inscrire notre adresse à Bizet afin qu'elle figure dans l'un des parcours thématiques organisés dans la ville. Ouvrir nos portes permettra au grand public et aux professionnels de découvrir notre environnement et nos processus de création de l'intérieur. Conférences & Convivialité autour du Réemploi : Pour enrichir l'expérience des visiteurs, nous prévoyons d'organiser un repas partagé ainsi que des conférences. Celles-ci porteront sur les thématiques du réemploi et du design durable, favorisant les échanges entre designers, artisans et le grand public.

Designer textile, Amandine Brun Sauvant explore la matière au point de rencontre entre savoir-faire artisanal et recherche scientifique, faisant de la chimie des teintures naturelles le pivot de sa démarche. En jouant sur les réactions de mordants comme l'alun ou le fer au cœur de la fibre, elle traduit les processus chimiques en un langage visuel contemporain. La couleur ne vient pas habiller la surface : elle se déploie de l'intérieur, scellant la mémoire du geste à travers des lignes de tension. Fortement liée à son territoire, elle valorise les ressources locales et les coproduits végétaux pour faire de la couleur un écosystème vivant et durable.

par Sylvie Van de Walle

Vernissage: 24.09 de 18h à 21h

À première vue, BULL est une table archétypale, presque banale. L’ajout d’un cinquième pied — suspendu, légèrement décentré — vient discrètement perturber cette évidence. Ce qui semble d’abord être une intervention minimale continue à se déplacer dans le regard. La forme provoque des associations, introduit une légère dissonance, et invite à une relecture de l’objet — sans jamais compromettre sa fonctionnalité. Le plateau et les quatre pieds sont réalisés dans le même matériau et la même teinte. Le cinquième pied reprend la même géométrie, mais contraste subtilement par l’essence du bois et sa tonalité. Tous les pieds apparaissent comme des découpes circulaires dans la surface. Ce qui devient visible dépend de l’endroit où l’on se place — et du temps que l’on regarde.

HAAR est un objet tactile, légèrement surréaliste, représentant une grande tête penchée. Une tête qui se retire, s’incline — ou attend simplement d’être lavée. L’œuvre invite au toucher : peigner, caresser, tresser. HAAR est réalisé en lin teillé, un matériau qui évoque de manière troublante les cheveux humains. Depuis l’enfance, Sylvie Van de Walle (Waarschoot, 1978) l’associe aux cheveux blonds de la publicité Timotei. L’œuvre montre comment la perception bascule : une fois cette ressemblance perçue, le lin ne se détache plus de l’image du cheveu. Son travail évolue entre art et design — et se déplace subtilement.

Le travail d’Ariane van Dievoet met en lumière les récits cachés dans les matériaux mis au rebut. Alliant artisanat traditionnel et innovation numérique, elle transforme les déchets de construction et de production en pièces uniques. Elle puise son inspiration dans la nature même de chaque matériau, en valorisant leurs imperfections. Après avoir ouvert son studio à Brooklyn en 2014, elle est revenue à Bruxelles en 2018, où elle poursuit son approche circulaire tout en enseignant le design durable au CAD. En 2023, elle a cofondé Augusta, une galerie bruxelloise qui expose ses œuvres ainsi que celles de créateurs engagés en faveur du design circulaire.

Vernissage: 24.09 à 18h

L’Atelier la Chapelle met à l’honneur le travail d’Irina Jane (@irina.jane.studio), artiste résidente dont la pratique se tisse à la croisée de la céramique, du design et de l’installation. À partir d’un élément simple — la chaîne — Irina Jane élabore un vocabulaire formel singulier. Façonnés un à un, les maillons en céramique se déclinent en une multiplicité d’échelles et d’usages : bijoux, rideaux, balançoires, installations suspendues, autant de formes où la matière semble défier ses propres limites. Dans son travail, les chaînes incarnent la dualité : solidité et fragilité, ordre et effondrement, poids et légèreté, objet fonctionnel et sculpture. Oscillant entre ce qui retient et ce qui libère, entre attachement et rupture, elles introduisent un mouvement réel, un frémissement vivant, une tension. Chez Irina Jane, la céramique — matière irréversible, qui craque, se rétracte, résiste ou cède — devient un médium du lien.

L'exposition réunit également Alexia de Ville (GOYET), pour son travail de tapisserie contemporaine, et Warre Everaert (Atelier WE).

L'atelier participe par ailleurs aux portes ouvertes des 25 et 26 septembre.

À l’occasion des Designers Open Doors, L’Atelier la Chapelle ouvre ses portes et invite le public à découvrir un lieu entièrement dédié à la céramique — un espace de recherche, d’expérimentation et de création.

Niché au cœur de Bruxelles, l’atelier est avant tout un espace de travail partagé, conçu sur mesure pour les artistes. Il offre un cadre privilégié où les arts du feu s’explorent en toute liberté, dans un esprit de transmission, d’innovation et de collaboration.

Notre approche repose sur un dialogue constant entre gestes ancestraux et outils contemporains. Convaincus que l’innovation se nourrit autant de l’héritage que de l’expérimentation, nous encourageons les résidents à repousser les frontières de leur pratique, sans jamais rompre le fil qui les relie à la tradition.

Pour ces journées portes ouvertes, les visiteurs sont invités à explorer les différents espaces de l’atelier, à rencontrer les artistes résidents et à assister à des démonstrations exclusives :

Vendredi 25/09/26 – de 15h00 à 16h00 & Samedi 26/09/26 – de 15h30 à 16h30

Le façonnage de jarres à la corde — Par Nordine Mezouar. Une technique millénaire qui témoigne de l’ingéniosité des premières cultures céramiques.
Vendredi 25/09/26 – de 16h30 à 17h30 & Samedi 26/09/26 – de 14h00 à 15h00

L’impression 3D céramique — Par Bevel. Une technologie de pointe qui ouvre aujourd’hui de nouvelles perspectives en matière de design, de conception et de fabrication.
En participant à Design September, L’Atelier la Chapelle souhaite révéler toute la richesse des arts du feu, affirmer la céramique comme un médium de création contemporaine à part entière, et partager avec le public un lieu unique où patrimoine, design et innovation se rencontrent.

Vernissage: 25.09

Atelier Tou est une maison de création qui fabrique de la vaisselle sensible et des objets contemporains pour l’intérieur et la maison, en revisitant les techniques ancestrales de la céramique. Chaque objet est conçu et fabriqué à la main à Bruxelles, dans le respect d'un savoir-faire traditionnel. Portée par un design intemporel, notre démarche tisse un équilibre entre élégance et fonctionnalité. De l'art de la table aux pièces ornementales, chaque création révèle la matière, le geste et la texture. Une véritable célébration du potentiel expressif de l’argile et de la valeur durable de l’artisanat.

par Warre Everaert

Vernissage: 24.09 à 18h

ALU Casted over Orbeez sont des objets sculpturaux issus d'une étude approfondie des matériaux, explorant les possibilités expressives de l'aluminium recyclé. L'aluminium utilisé est entièrement constitué de matière récupérée, refondue afin de lui offrir une seconde vie dans le cadre d'un processus de fabrication artisanal et expérimental. Lors du procédé de coulée, l'aluminium en fusion est versé dans un moule en sable préalablement rempli d'Orbeez. Les Orbeez sont des billes d'hydrogel à base de polymères qui gonflent considérablement au contact de l'eau. Ces éléments, à l'apparence ludique et fragile, servent de structure porteuse temporaire à l'intérieur du moule. Lorsque l'aluminium en fusion se répand autour et entre ces sphères, il se crée un jeu imprévisible de cavités, de courbes et de transitions organiques. Le résultat est une surface tactile unique, à la fois fluide et poreuse, qui explore la tension entre le contrôle et le hasard, entre la matière industrielle et un langage formel organique. Chaque objet conserve les traces de ce processus, ce qui le rend intrinsèquement unique. Avec "ALU Casted over Orbeez", un objet du quotidien est élevé au rang d'expérimentation matérielle et devient un récit visuel de transformation, de circularité et de l'esthétique du processus de fabrication.

par KEPER architecten

La boutique rénovée de l’Atomium est bien plus qu’un simple magasin : c’est le prolongement de l’expérience emblématique offerte par ce monument bruxellois.
Le concept vise à créer une expérience d’achat agréable et fluide, en plaçant la fonctionnalité et l’expérience du visiteur au cœur de la réflexion.
Une analyse approfondie des flux de visiteurs a permis de mettre au point un agencement garantissant une circulation naturelle, avec une caisse stratégiquement placée et un mur de vitrines ouvert. Il en résulte un espace clair et accueillant qui invite à la découverte. L’intérieur de la boutique est modulaire et flexible, ce qui lui permet de s’adapter facilement aux changements de collections ou aux campagnes temporaires. L’utilisation des couleurs et des matériaux s’inscrit dans l’esthétique de l’Atomium, avec un mur de vitrines vert servant de repère visuel aux visiteurs. Ce mur les guide à travers la boutique tout en marquant la séparation avec l’espace d’exposition.
Grâce à un souci du détail et au respect de la structure existante, cette boutique rénovée reflète l’identité du monument et offre aux visiteurs une expérience d’achat unique qui enrichit l’expérience globale de ce lieu emblématique.

À l’occasion de la Brussels Design Week et du parcours Inside the Ateliers, AUXAU ARCHITECTURE ouvre les portes de son atelier au public les vendredi 25 et samedi 26 septembre 2026, de 10h à 18h.

Cette année marque également les 15 ans de l’atelier. Quinze années de projets, de recherches et de collaborations que nous vous proposons de découvrir à travers une sélection de réalisations et de contenus présentés au sein même de notre espace de travail.

Ces portes ouvertes seront aussi l’occasion de découvrir notre nouveau site internet, entièrement repensé pour offrir un regard renouvelé sur les nombreux projets développés par AUXAU au fil des années, tout en ouvrant la perspective sur ceux à venir.

Nous vous invitons à pousser la porte de l’atelier, à découvrir notre univers, nos méthodes de travail, nos projets passés et présents, et à échanger avec l’équipe dans le cadre informel de notre lieu de travail.

Vendredi 25 septembre 2026 — 10h à 18h
Samedi 26 septembre 2026 — 10h à 18h

Entrée libre.

BABA MANIFESTO : Le manifeste du Babaisme est une exposition de l'artiste et designer Jacopo Koning, présentant le mouvement artistique qu'il a fondé : le Babaisme. Le Babaisme est un mouvement artistique qui célèbre l'art absurde en techniques mixtes de l'ère post-COVID. Inspirés par leur nom, tout comme les Dadaïstes se sont inspirés de l'absurdité du monde après des événements tels que la Première Guerre mondiale, les Babaïstes s'inspirent de l'absurdité des traumatismes collectifs contemporains, notamment de la surstimulation provoquée par la technologie. Le Babaisme repose également sur l'idée que l'histoire se répète sans cesse. Cette vision se reflète dans la pratique de Koning, qui associe des techniques historiques et contemporaines, telles que la sérigraphie et l'eau-forte, créant un dialogue entre le passé et le présent. À travers des visages déformés, des couleurs ludiques, des éléments symboliques et des œuvres multimédias, Koning capture une identité en perpétuelle mutation dans un monde de mèmes, de surstimulation et de défilement infini, invitant le public à embrasser l'imperfection et à trouver la beauté dans le chaos d'aujourd'hui. Après avoir présenté la première exposition BABA MANIFESTO à Florence, Jacopo Koning présente aujourd'hui cette exposition pour la première fois en Belgique, à ALTO GALLERIA, marquant leur deuxième collaboration depuis 2024.

Monkey Balling, c'est le point de rencontre entre le design composite, les matériaux et le jeu. La culture du basketball, les matériaux audacieux, les textures rétro, les fragments de céramique et de pierre, et les références à la pop culture s'y mêlent pour créer un design durable. Des matériaux de seconde main, récupérés et recyclés sont réinventés pour donner naissance à de nouvelles histoires, au rythme d'une nouvelle ère. Nous ne parlons pas de durabilité, nous la mettons en pratique, pièce par pièce. Chaque matériau a une histoire et chaque objet mérite une seconde vie. Nous chinons de la pierre de récupération, de la céramique recyclée, des carreaux cassés, des miroirs ébréchés, des chutes de bois et tous ces fragments « perdus » que l'on jette habituellement. Si un matériau est solide, texturé, brut ou chargé d'histoire, il a du potentiel. S'il est imprégné d'histoire, c'est encore mieux. Les matériaux oubliés constituent la base idéale du design upcyclé.

TINE LONCIN ouvre son habitation et son espace de travail au cœur de Bruxelles, au dernier étage d’une ancienne usine textile qu’elle a transformée en 1997. Née et élevée à Bruxelles, sa pratique prend la ville comme contexte : complexe, pragmatique, vivante et jamais tout à fait achevée. Son approche est cohérente : elle ne part pas d’une forme ou d’un style prédéfini, mais laisse le projet émerger à partir de l’espace, de l’usage, du matériau et du contexte. Un univers où vivre et créer se rejoignent, dans lequel la clarté prend tout son sens et où chaque objet et chaque espace s’expriment par eux-mêmes.

À l’occasion de Brussels Design Week, Tine Loncin ouvre le lieu où son architecture d’intérieur et ses créations de mobilier ont pris forme au fil des années. En collaboration avec le designer et conservateur LOU VAN HENDE, elle sélectionne des designers et des artistes qui vivent et travaillent aujourd’hui à Bruxelles. Leurs œuvres s’intègrent temporairement dans l’environnement de vie et de travail existant.

Les œuvres sélectionnées introduisent dans l’espace une dimension organique, tactile et plus intuitive. Celle-ci s’exprime à travers les formes, les matériaux naturels et la tactilité, mais aussi dans des œuvres où tout n’est pas prédéfini et où une place reste laissée à ce qui émerge au cours du processus. Ainsi se crée une interaction temporaire entre différentes manières de créer et de concevoir, au sein d’un univers de vie et de travail façonné au fil des années.

Depuis l’espace de vie, l’habitation se prolonge vers la terrasse sur le toit, aménagée avec du mobilier extérieur conçu par Tine Loncin. Ici se déploie la skyline bruxelloise, la ville qui les relie.

Vernissage: 24.09 à 18:30h
Week-ends : entrée libre entre 11h et 18h
En semaine : visites uniquement sur rendez-vous (RSVP via mail@tineloncin.be)

Images 1, 3, 4 and 5 © Kaatje Verschoren

par Héloïse Blachier

Vernissage: 24.09 de 18h à 21h

Ce lampadaire était à l'origine une lampe IKEA qui a trôné chez moi pendant 20 ans. Je l'ai démontée puis remontée à ma façon, tout en conservant le système électrique intact. L'idée principale était de transformer un objet avec lequel j'ai grandi. J'ai ajouté des reliefs à l'aide de papier bulle récupéré dans des déchets. J'ai enroulé le papier bulle autour d'une structure métallique, puis je l'ai recouvert de plâtre.

par Nelly Smets et Iolie Coufopandelis, en collaboration avec le bureau François Marcq

Au pied de la Blue Tower de Bruxelles, sur l’avenue Louise, BLEU propose à la ville un nouveau type d’espace ouvert toute la journée. À mi-chemin entre le café, l’espace de travail et le havre urbain, ce projet s’articule autour de la transition : du café du matin au déjeuner, des réunions informelles aux pauses tranquilles entre deux rendez-vous.

*26 septembre / 15 h - 17 h

Ce débat public explorera ce qu’un site productif comme BO–RD peut apporter à Bruxelles. Le projet de transformation de BO–RD est toujours en cours – et le restera probablement, car l’ouverture et l’adaptabilité sont au cœur de cette démarche. C’est toutefois le moment idéal pour prendre un peu de recul, réfléchir à ce qui a été accompli jusqu’à présent et envisager la voie à suivre. À l’aide d’images et de références, la discussion entre la BMA et Rotor abordera les différentes facettes du projet et ses implications pour Rotor, les zones productives de Bruxelles et l’avenir de l’« économie circulaire ».
Rejoignez-nous au Door Pavilion, spécialement réaménagé pour l’occasion.

*26 septembre / 11 h en français – 12h en néerlandais – 13 h en anglais

Le projet a pris forme à travers des ateliers, des discussions avec Rotor et les personnes déjà actives sur place, ainsi qu’une présence régulière à BORD afin de mieux comprendre ses rythmes quotidiens, sa dynamique et ses besoins. Il repose sur une série d’interventions ciblées visant à améliorer le fonctionnement actuel du site en s’appuyant sur les structures existantes plutôt qu’en ajoutant de nouveaux bâtiments.
Trois principes ont guidé le projet dès le départ : BEFORE, valoriser ce qui existe déjà ; SYSTEM, développer des principes spatiaux et constructifs capables de s’adapter au fil du temps ; et LEAVE, laisser de la place à l’appropriation, à l’évolution des usages et à l’imprévu.
Cette visite guidée explore la rénovation et la transformation de BORD à travers une promenade à travers le site et ses bâtiments.

BO–RD is a 14,000m² industrial site on the edge of Brussels, dedicated to reuse, making and experimentation – initiated and operated by RotorDC. It brings together a heterogeneous mix of spaces, activities and users, somewhere between a salvage yard, workshops and storage spaces, offices, meeting, event spaces and a wild garden.
Open studios
*26.09 // 10AM-7PM
For the launch of BO–RD, several residents will open the doors to their studios, offering a glimpse into their current practices and working spaces. Come by, meet the residents, and discover what’s happening behind the studio doors.

RotorDC – Lightning Studio : RotorDC is a cooperative that organises the reuse of construction materials. We dismantle, process and sell salvaged building components, with a focus on finishing materials such as hardware, doors, flooring, furniture and lighting fixtures.
For the open studio day our in-house lighting reconditioning workshop will be open to visitors. Here, salvaged lamps are inspected and reconditioned so they can be used again, adapted where needed to meet contemporary electrical requirements. We also develop new lighting designs using off-cuts and other materials from our storage.
Website : https://rotordc.com
Instagram : @rotordc

Floriana Da Silva : Visual artist, engraver and stone carver, Floriana Da Silva has developed a practice based on two forms of engraving: printmaking—etching or woodcut—and stone carving, which gives rise to artistic works, signs or funerary engravings alike. While their techniques and uses differ, these two practices share the same gesture: that of carving, inscribing, and leaving a mark. Through these materials, she explores memory, heritage, and the layers of time, bringing to light intimate and family narratives, absences, abandoned territories, and migratory journeys. Engraving thus becomes a means of revealing what endures, caught between memory and oblivion.
Website: https://f-dasilva.com/
Instagram: @f_dasilva__

studio PLATT : Joe Platt is a furniture designer and maker working with recycled and sustainable materials. With a strong focus on materials, Joe brings out and showcases the hidden richness and textures in his designs as a focal point.
Website: https://studioplatt.com
Instagram: @studio_platt

Jessica Blondiau : I'm Jessica Blondiau. I'm an illustrator and I work printed imagery. I enjoy playing with color layering and various haltones patterns. Forest and animals are my favorite subjects to draw. My work is colorful and full of joy. During the open doors, I’ll also be hosting a silkscreen printing demonstration, where you can discover the process and, if you wish, print your own little card.
Instagram: @jessicablondiau

Tristan Gielen : Tristan Gielen (furniture designer / woodworker) develops each project using reclaimed materials and a strong ecological vision. With his background in architecture as a starting point, his design practice is primarily guided by the possibilities and character of the materials themselves.
Instagram: @trippelcork_atelier

Ines Thora : Ines Thora (°1996, Asse, Belgium) is a Brussels-based visual artist working primarily in painting and installation. She holds a Bachelor of Arts in Visual Arts from LUCA School of Arts (2015–2018) and studied Cultural Studies at KU Leuven (2019–2020). Her practice explores memory, fragility, materiality and the relationship between body and material, often incorporating found textiles, bed linen, tablecloths, thread and other tactile materials into large-scale or intimate tiny abstract works.
Her work has been presented in Belgium and internationally, including exhibitions in Brussels, Antwerp, Berlin and Amsterdam. Her work is currently also presented at Abby Museum in Kortrijk.
Website : https://inesthora.com/
Instagram: @inesthora

Rotor asbl/vzw : Rotor is a Brussels based non-profit organization that is interested in material flows in industry and construction, with a particular focus on our relationship to resources, waste and reuse. This has led to a large variety of projects in the fields of research, consultancy, interior and scenography design, exhibition curation and education. In 2013, the association ventured into the reclamation and sale of used building elements, which in 2016 led to the creation of the cooperative company RotorDC (for ‘Deconstruction’).
Website : https://rotordb.org
Instagram : @rotor_brussels

Charel Pycke : Charel’s work explores how patterns and ornamentation function within an architectural context. Starting with the basic form of the triangle, he spent years developing geometric compositions, after which architectural influences increasingly came into play. Through his paintings and sculptures, he questions the often-underestimated role of decoration within the art world.
Instagram : @charelpycke

Rosa De Coster : Rosa De Coster is a sculptor with a background in graphic arts. She studied at KASK in Ghent, and at the Academy of fine Arts in Vienna. In her artistic practice she combines sculpture, furniture design, drawing, and model building. Her sculptures evoke spaces of different scales, constructed from flat surfaces that serve as carriers for drawing and painting. Visually, her work draws on references including folk-art, early Renaissance painting, murals in Italian restaurants, Belgian interbellum design, architectural drawing, Portuguese majolica tiles, Brussels facades and her grandmother's kitchen.
At Bo-rd she shares a studio with visual artist Charel Pycke.
Instagram: @rosadecoster

BO–RD is a 14,000m² industrial site on the edge of Brussels, dedicated to reuse, making and experimentation – initiated and operated by RotorDC. It brings together a heterogeneous mix of spaces, activities and users, somewhere between a salvage yard, workshops and storage spaces, offices, meeting, event spaces and a wild garden.
Programme
(1) Open studios
(2) A collective exhibition curated by BO-RD residents
(3) Guided tours of the site and architectural project with La Générale – assemblée d’architectes
(4) A public debate moderated by BMA Bouwmeester Maitre Architecte
(5) Bar by Articule Café + DJ-sets

(1) Open studios
*26.09 // 10AM-7PM
For the launch of BO–RD, several residents will open the doors to their studios, offering a glimpse into their current practices and working spaces. Come by, meet the residents, and discover what’s happening behind the studio doors.


(2) A collective exhibition curated by BO-RD residents
*26.09 > 03.10.2026 // Tue - Fri : 10AM-1PM / 2PM-6PM, Sat : 10AM-6PM
For the launch of BO–RD, its residents - artists, designers, painters, sculptors, and more - come together for the first time to exhibit their works in a group exhibition. The show unfolds in collaboration with RotorDC, whose materials and context will frame the exhibition.


(3) Guided tours of the site and architectural project with La Générale – assemblée d’architectes
*26.09 // 11AM-1PM
The project was shaped through workshops, discussions with Rotor and the people already active on site, and a regular presence at BORD to better understand its daily rhythms, dynamics and needs. It is based on a series of targeted interventions that improve the site’s current functioning by working with existing structures rather than adding new buildings. Three principles have guided the project from the start: BEFORE, valuing what is already there; SYSTEM, developing spatial and constructive principles that can adapt over time; and LEAVE, allowing room for appropriation, changing uses and the unexpected. This guided visit explores BORD’s renovation and transformation through a walk across the site and its buildings.


(4) A public debate moderated by BMA Bouwmeester Maitre Architecte
*26.09 // 3PM-5PM
Moderated by the BMA, this public debate will explore what a productive site like BO–RD can bring to Brussels. As and becomes increasingly scarce and expensive, how can productive activities, small businesses, makers and circular practices continue to find a place in the city? What strategies can help maintain these activities in Brussels, and what could the industrial zoning of the future look like? The discussion will bring together policymakers, public administrations, urban practitioners, cooperators, entrepreneurs and the Rotor teams to question the role of productive sites in the city, and the conditions needed for them to thrive. Join us at the Door Pavilion, specially reconfigured for the occasion.


(5) Bar by Articule Café + DJ-sets
*26.09 // 12AM-9PM
Articule is a small coffee roastery based in Brussels. Started in my parents’ garage in 2023 by selecting and roasting coffee with care. Today I roast from my own atelier at BO–RD. I select coffees by digging into their story, the terroir and the people who work for it. Most of these coffees arrive by sail and are grown by farmers who commit to regenerative practices.
Groove Me (if you can) is a solar underground house music collective. Based in Brussels, five resident DJs tour bars and other venues of the city. Always friends surrounding, we welcome more and more curious dancers to mend in our close-knit gatherings. Expect beats that groove, harmonies that smile and the impromptu deeper-dive into an electronic music abyss.

En tant que centre permanent d’approvisionnement B2B et plateforme de rencontre unique au Benelux, Trademart réunit des marques et des retailers dans les secteurs de la mode, de l’habitat & du living, ainsi que du baby & kids. Guidés par notre devise **« Moving Retail Forward »**, nous créons un environnement dynamique où l’inspiration, l’innovation et l’entrepreneuriat s’épanouissent. Les retailers y découvrent les dernières collections, les marques y rencontrent des acheteurs et des professionnels du secteur, et de nouvelles opportunités commerciales prennent forme. Plus qu’un simple lieu d’achat, Trademart est un véritable hub où les idées s’échangent, les tendances prennent vie et des partenariats durables se construisent. Ensemble, nous contribuons à façonner un secteur du retail plus fort, plus innovant et tourné vers l’avenir.

par Brazilian artist Patricia Faragone for Paris

BS Galleria, galerie privée spécialisée dans le design de collection brésilien et le mobilier moderniste, ouvre ses portes au public pour la première fois à l'occasion de Brussels Design Week. L'exposition présente en avant-première belge les nouvelles œuvres de l'artiste brésilienne Patricia Faragone, offrant au public local l'opportunité de découvrir cette collection avant sa présentation officielle, la semaine suivante, lors des Rendez-vous de la Matière de FORMÆ à Paris.
À la croisée de l'art, du design et de l'artisanat, les sculptures en verre, luminaires et œuvres textiles de Patricia Faragone explorent la mémoire, la transformation des matériaux et la poésie des objets du quotidien. Présentée dans le cadre intimiste de cette galerie privée située à Ixelles, l'exposition célèbre également l'arrivée de BS Galleria à Bruxelles et son engagement à favoriser le dialogue entre les scènes créatives brésilienne et européenne à travers le design de collection.
BS Galleria – Avant-première des nouvelles œuvres de l'artiste brésilienne Patricia Faragone avant leur présentation à Paris
Du 1er au 4 octobre, de 14h à 18h

Admirer, mettre en lumière, magnifier. Pointer du doigt le petit détail qui nous a échappé. Plaisir des yeux, des couleurs et des textures. Le tout mis en scène avec maestria !
Avec Camille Debray, designeuse et fondatrice de OKTO Studio, et Marie Douel, designeuse et scénographe.
Le 30.09 à 19h

Manger, acte social par excellence ! Goûter et ressentir, partager ses sensations avec les convives. S’attabler, se retrouver autour d’un festin, vivre un moment fugace !
Avec Éléonore Joulin, artiste, Léa Bardin, designeuse et co-fondatrice du Studio CoPain, et Pauline Lemberger, designeuse.
Le 29.09 à 19h

La Cambre Design Textile 2026 étudiant.e.s diplômé.e.s Amaryllis Bouyer, Romain Clary, Hovic Der Sarkissian, Alice Etheimer, Julien Georgieff-Peinado, Camille Laffargue, Léo Seignez TRACK Brussels, gare du Nord, 76 Rue du progrès, 1030 Brussels Vendredi 18 - Dimanche 20 Septembre

par Sophia Kecir Camper

À la fois installation artistique, performance et expérience sociale immersive, « Cheek to Cheek » offre au public un aperçu d’un scénario alternatif d’espace urbain convivial et non productif, destiné à cultiver notre curiosité, notre esprit critique, notre imagination collective et nos dynamiques coopératives. En réinterprétant les méthodes du design spéculatif, passant de réalités futuristes à des réalités présentes souhaitables, et en nous inspirant de « La Cène » de Léonard de Vinci, nous nous interrogeons sur la manière dont nous devrions repenser nos quartiers, nos amitiés, nos tables et nos loisirs dans le contexte de l’Accord de Paris. La pièce maîtresse de l’installation est ce qui semble être une cuisine ouverte. Elle invite le public à s’approcher, à prendre l’initiative d’émincer un légume, à s’approprier collectivement le projet pour le faire fonctionner, et à jeter un œil dans les coulisses, comme une métaphore plus large de l’engagement civique dans la société. À travers ce besoin fondamental qu’est l’alimentation, nous sommes amenés à réfléchir à la manière de retrouver le savoir collectif, la capacité d’agir et la joie de se réunir pour nourrir notre corps et notre âme.

Animée par un amour pour les processus créatifs instinctifs et intuitifs, ainsi que par l’exploration des matériaux, l’exposition « Circular design Today » explore la relation entre l’art et l’artisanat.

Le temps d’un week-end, les designers, artistes et créateurs de Micro Factory ouvrent les portes de leur atelier commun, invitant les visiteurs à découvrir leurs pratiques et leurs expérimentations.
À travers une exposition, des visites guidées et des échanges avec les créateurs sous forme de PechaKucha, ce week-end offre un aperçu des processus créatifs, des matériaux et des idées qui façonnent les œuvres produites à Micro Factory.

PROGRAMME

Vendredi 2 - 16 h 00 – 18 h 00 « Circular Materials » — PechaKucha avec les créateurs
18 h 00 – 20 h 00 Vernissage de l’exposition – Apéritif de bienvenue et set DJ.

Samedi 3 – 14 h 00 – 17 h 00 – Exposition
14 h 00 – 16 h 00 – Visites guidées

Dimanche 4 – 12 h 00 – 17 h 00 – Exposition

Conférence de 16 à 18h (FR/NL)

Depuis 2020, Circularium est un centre d'innovations qui regroupe des acteurs de l'innovation sociale et de la production circulaire. Pour ses six ans, et à l'occasion de Brussels Design Week, Circularium ouvre grand ses portes du vendredi 2 au dimanche 4 octobre.
Au programme : des conférences avec les organisations sociales et les makers du lieu, des visites guidées, l'ouverture de l'exposition Circular Design, un DJ set, une brocante, une kermesse, et plusieurs autres surprises. Trois jours pour explorer, rencontrer et voir concrètement ce que l'économie circulaire, la production locale et l'innovation sociale peuvent apporter à une ville comme Bruxelles.

Cityfab 1, fablab public porté par citydev.brussels et i-CITY est un espace dédié à la fabrication numérique. Diminutif de « fabrication laboratory », ce fablab donne accès à toute personne, quel que soit son niveau de connaissance, aux outils et aux savoirs pour concrétiser des projets à l’aide de machines pilotées par ordinateur. À l’occasion de la Brussels Design Week 2026, cityfab 1 ouvre ses portes pour une visite des lieux et la découverte des possibilités de production qu’apporte notre parc de machines ainsi que de notre offre de formations et workshops.

Cityfab 3 ouvre ses portes à la communauté du design, des arts appliqués et de la création.
Que vous cherchiez à repousser les limites du prototypage, à explorer de nouveaux matériaux ou à intégrer la fabrication locale et numérique dans votre processus de création, venez découvrir comment notre laboratoire peut devenir le prolongement de votre studio.
Au programme de cette édition spéciale :
Technologie & Savoir-faire — Démonstrations de nos outils de précision (fraisage numérique CNC, découpe laser haute performance, pliage de plexiglas, axe rotatif U) appliqués au design de mobilier, d'objets et d'espaces.
Éco-conception & Matériauthèque — Découvrez en avant-première nos recherches en Open Design ainsi que notre projet de matériauthèque numérique dédiée au réemploi et à l'économie circulaire, mené en collaboration avec le RFB.
Networking & Synergies — Rencontrez notre équipe de facilitateurs, nos résidents et d'autres professionnels du secteur pour échanger sur vos projets, vos besoins en production ou nos programmes de formation avancée.
Du dessin vectoriel à la pièce finie, venez explorer le potentiel de la fabrication numérique pour donner vie à vos concepts les plus audacieux.

Cityfab2 ouvre les portes de son fablab au public dans le cadre de Brussels Design September. Les visiteurs pourront découvrir comment les outils de fabrication numérique (découpe laser, CNC, impression 3D, vinyle, médialab) transforment aujourd’hui les pratiques du design, du prototypage et de la production locale.

par Marine Hanet

Vernissage: 24.09 de 18h à 21h

« The Ocean Floor » est une installation textile immersive imaginée par Cocono, profondément ancrée dans l’héritage textile belge de la marque et dans son lien familial avec l’univers du tapis. À travers des textures superposées, des formes organiques et des nuances inspirées des paysages sous-marins, le projet explore la beauté silencieuse des fonds marins et l’atmosphère émotionnelle qui existe sous la surface. Présentée à travers la collection de tapis Seaworld, l’installation reflète la fascination continue de Cocono pour le design tactile, le mouvement et les environnements naturels. Les motifs fluides et les textures irrégulières évoquent les courants marins, les formations coralliennes et les rythmes imparfaits de la nature. Tissée et finie en Belgique, cette installation met également en lumière l’approche de Cocono du design textile contemporain, où savoir-faire, matérialité et expérience sensorielle se rencontrent pour créer des pièces à la fois artistiques et profondément intemporelles.

COLLECTED est une galerie-showroom proposant une sélection de mobiliers, tapis,luminaires et réunissant des designers établis comme émergents. Dans le cadre de Design September, nous présenterons le travail de plusieurs designers. DIRK MEYLAERT se situe à la croisée du design, de l'art et de l'artisanat en créant des meubles dont la forme découle de contraintes écologiques, techniques et philosophiques plutôt que de la seule fonction. Son approche valorise le bois massif local, les savoir-faire traditionnels et une fabrication post-industrielle sur mesure, en réponse aux enjeux environnementaux et sociaux contemporains. STUDIO.REMY est un studio de design néerlandais fondé en 2014 et dirigé par Remy van Zandbergen et Anke Verstappen. Leur pratique se concentre sur la menuiserie miniature, la narration et la céramique modulaire. Le souci du détail, un sens aigu de la modularité et une esthétique technique sont au cœur de leur travail. NOLASTAR est un système de séparation d'espace et de rideaux incarnant un design intemporel et une matérialité innovante, conçu en 1999 par Ana Motjér Milanés pour Royal Family Design Lab, puis revisité par Pablo Octavio dans sa version actuelle en aluminium. Nolastar allie élégance esthétique et grande fonctionnalité, créant des espaces qui respirent et offrant une réelle efficacité d'usage. MAUD BRUNSTEIN est une designer textile spécialisée dans la maille et l'exploration de matériaux expérimentaux. Son travail s'inscrit dans une démarche éthique et circulaire, utilisant des fils issus de surplus de production et s'appuyant sur une grande maîtrise technique du tricotage. Elle joue avec les couleurs afin de créer une interaction entre la matière, le corps et l'espace. ADRIAN CRUZ ELEMENTS est un architecte et designer mexicain. Son travail repose sur une technique artisanale de la résine développée en 1946 par son grand-père, Chema, à Mexico. Ses créations marient les couleurs vibrantes de la culture mexicaine à la rigueur architecturale.

Commerce Design Brussels récompense les espaces commerciaux bruxellois fondés sur une collaboration authentique entre commerçants et designers. Le jury 2026 est présidé par l'architecte d'intérieur Nathalie Deboel et réunit des professionnels du design, de l'architecture d'intérieur, des institutions culturelles et de la presse.
Trademart Brussels, partenaire PRO principal du festival, accueille trois jours dédiés à l'intérieur du 27 au 29 septembre, clôturés par la cérémonie de remise des prix aux sept lauréats de cette édition.

Jury 2026
Nathalie Deboel (présidente)
Studio Rond Carré
Jean-François d'Or
Anaïs Sandia Carion
Veerle De Taeye
Bram Van de Velde
Design With Sense
Erik Duterne

Lauréats 2026
The Standard — Bernard Dubois
Atomium Shop — KEPER architecten
COSMOS — Maxime De Campenaere
AKKO CAFÉ — Rebecca Rébillé et Marion Zirn
Journal — Studio Zazie Maquet
Flipper's — Charly Buron
Bleu — Nelly Smets & Iolie Coufopandelis

Infos pratiques : Sur invitation / inscription

par Maxime De Campenaere Studio

Transformation d'un restaurant occupant les volumes d'une ancienne poissonnerie datant de 1926, dont la devanture Art Nouveau remonte à 1906. Le projet articule des interventions contemporaines — pierre et acier inoxydable — à la préservation rigoureuse des éléments patrimoniaux intérieurs hérités de la poissonnerie d'origine. La carte, orchestrée par le chef Kevin Perlot, est principalement consacrée au poisson. Les surfaces en acier inoxydable captent et restituent, à la manière d'un plan d'eau, le mouvement de la ville au fil des heures.

Pour célébrer ses trois ans, Cru atelier ouvre les portes de son nouvel atelier à l'occasion de la Design Week Brussels. Fondé par Sarah El Yousefy et Nina Ouchinsky, toutes deux architectes de formation, Cru atelier est un atelier de design dédié à la création de pièces sur mesure et d'objets de collection façonnés à partir de matériaux organiques et géosourcés. Leur démarche réunit artisanat, créativité, durabilité et une attention particulière portée à la matière. Animées par une fascination pour les textures, les nuances et le potentiel des matériaux naturels, elles développent une pratique fondée sur l'expérimentation et la redécouverte de savoir-faire artisanaux. Des terrains d'exploration où techniques ancestrales et design contemporain se rencontrent. Cette ouverture d'atelier est l'occasion de découvrir leur univers de travail, leurs recherches et les expérimentations qui nourrissent chaque projet.

Troisième édition de Curated, une exposition de design de collection ouverte à tous, organisée au Mix Brussels sous le commissariat de Lionel Jadot. Réunissant le travail de 35 designers, cet événement transforme l'ancienne Royale Belge en un lieu vivant de créativité. Designers, artistes, collectionneurs et architectes s'y retrouvent pour présenter et partager leurs créations. Amateur de design ou simple curieux, c'est l'occasion de plonger dans un univers d'innovation et de savoir-faire. L'entrée est gratuite, mais un ticket est requis.
Ce rendez-vous de trois jours se tient du 25 au 27 septembre. L'exposition est ouverte et accessible à tous. Pendant le week-end, le Romeo Bar et le Joule Eatery sont ouverts en continu : cocktails, brunch toute la journée, musique et plusieurs propositions de restauration.
TALKS au Romeo, 2e étage du bâtiment Mix
Sam 26 sept / 14h : animé par Dieter Van Den Storm (MAD), avec Özge Salihoglu
Sam 26 sept / 16h : animé par Marie Pok (CID Grand-Hornu)
Ouverture de l'exposition
Ven 25 sept / 18h - 22h
Sam 26 sept / 10h - 19h
Dim 27 sept / 10h - 18h
35 ARTISTES AU RENDEZ-VOUS
Alexandre Labruyère, Anna d'Ansembourg, ATELIER26, Atelier Haute Cuisine, Basile X Breno, Casper Jacquemyn x Diego Delay, Clement Pasquier Studio, Coline Le Quenven x Emma Desirée Comer, DIFUSIONS, Danik Uderbekov, Dirk Meylaerts, Dries Hamels, Elisa Uberti, FabBRICK, Fractall, Glass Variations (Cevino Glass), Grou Serra, Konstruct Collective, Linde Hermans, MAD Brussels (: Chateau Resort & Paulinepluslouis), MWO, Paul Hardy, Pierre Coddens, Pierre Klein, Raphaëlle Bosmans, Rim Ram, Robin Berrewaerts, Studio Jules Péan, Studio Stijn Jean Vos, Touch With Eyes, TRY AGAIN ?, Vincent Verheyen, Yohann Hubert - feu maison & Baptiste Chatenet

Site web / https://mix.brussels/curated/
Instagram Curated / https://www.instagram.com/curated.brussels/
Événement Facebook / https://fb.me/e/1PHud9y04H

ACTIVITÉS FOOD DRINK MUSIC DJS

VEN / RELEASE NIGHT - ROMEO / (dès 18h) Cocktails & DJ set
VEN & SAM / JOULE / (dès 18h) Cuisine orientale & frigo de bières artisanales bruxelloises
VEN, SAM & DIM / JOULE, toute la journée / Café, snacks & cuisine saine
VEN & SAM / TIMBER / Brasserie fine inspirée des saveurs belges et des petits producteurs
VEN, SAM & DIM / GRAND HALL / Fontaine à Negroni par le studio douze degrés
SAM / ROMEO / (16h30) Talk animé par Anaïs Sandra Carion, directrice générale de MAD Brussels
SAM / ROMEO / (dès 17h) Cocktails, plats à partager & musique par Mitate, Serious Discoboy & V.T.T
DIM / ROMEO BRUNCH & JAZZ / (11h30 - 14h30) DJ set vinyles par Pat from Brussels

Design for Resilience est un atelier de recherche textile belge qui explore les liens entre design, durabilité et savoir-faire local.

À Bruxelles et avec nos partenaires belges, nous concevons et tricotons des pièces épurées et responsables : linge de maison, accessoires et objets textiles sans plastique, pensés pour sublimer l’intérieur contemporain tout en respectant la planète.

Nous défendons une vision à long terme : reconstruire en Belgique une filière textile éthique, biologique et durable, ancrée dans l’innovation locale et le design circulaire.

Ce que nous fabriquons :

→ Objets de décoration d’intérieur : coussins et plaids en lin européen et laine belge, tricotés à Bruxelles à partir de matières locales, éthiques et respectueuses du bien-être animal.

→ Linge de bain écoresponsable : essuies en lin en lin (haute performance, ultra légers ou moelleux), lingettes, gants de toilette exfoliant en chanvre, pochettes de rangement.

→ Accessoires pratiques et durables : lavettes, éponges en chanvre, sacs et pochette en lin et chanvre.

→ Accessoires textiles : écharpes en laine, lin et soie upcyclée, tricotées à la main, dans une démarche zéro déchet.

Horaires d'ouvertures
Vendredi 20 septembre : 11h – 17h30 & 18h15 – 20h45 : nocturne
Samedi 21 septembre : 11h – 19h
Dimanche 22 septembre : 10h – 17h

Vernissage: 25.09 de 19h 21h

En septembre prochain, « DESIGN IN RESIDENCE » ouvrira ses portes au Dansaert 64 à Bruxelles, inaugurant ainsi une nouvelle plateforme dédiée au design, à l’art et à l’architecture.
Au-delà du format conventionnel d’une galerie, cette résidence considère l’intérieur comme un espace organisé de manière curatoriale, où des œuvres sélectionnées entrent en dialogue direct avec l’architecture, la matérialité et entre elles.
« DESIGN IN RESIDENCE » explore la manière dont le mobilier, les objets, les œuvres d’art et les interventions spatiales s’articulent grâce à une sélection rigoureuse de pratiques contemporaines.
Lancée par l’agence CC Creative Consulting, cette résidence transpose son approche curatoriale dans un espace physique, mettant en avant des designers, des artistes et des collections choisis pour leur originalité, leur pertinence culturelle et leur valeur esthétique durable.

Vernissage: 30.09

DRAFT & FORM : La main intelligente

présenté par Subtile (Luxembourg) à l’occasion de la Brussels Design Week 2026

En comblant le fossé entre l’énergie brute de l’atelier et l’atmosphère raffinée de la galerie, nous célébrons la main humaine comme la véritable source de toute créativité. Elle est le pont entre la matière première et l’objet raffiné, le canal par lequel l’émotion se traduit en forme. À l’occasion de la Brussels Design Week 2026, Subtile invite les visiteurs à découvrir « Draft & Form », une scénographie qui privilégie un sanctuaire vivant et animé.

« Draft & Form » est un dialogue, et non une exposition statique. Nous occupons l’espace de l’artiste Patricia Sartori au cœur de Bruxelles, permettant ainsi à la frontière entre création et exposition de s’estomper. Ici, le visiteur plonge au cœur du processus vivant. Notre sélection met en avant une nouvelle génération de designers qui refusent d’être catalogués — ceux qui naviguent entre les frontières fluides et floues de la sculpture et de l’utilitaire, entre le décoratif et l’essentiel.

Observez attentivement la matérialité de cet espace. Nous vous invitons à faire une pause et à vous interroger : s’agit-il de textile ? De céramique ? De terre, ou d’un souvenir tissé ?

Dans cet univers soigneusement orchestré, les matériaux sont poussés à leurs limites. Nous présentons des pièces où la texture de l’argile imite la douceur du tissu, et où la rigidité des formes cède la place à la sensualité des techniques ancestrales.
Au cœur de ce récit, une pièce vintage ou ancienne trouve toujours sa place. Nous l’intégrons non seulement par choix esthétique, mais aussi comme un acte délibéré de respect. Elle rend hommage aux artisans du passé dont les mains ont insufflé la vie à ces objets durables, et constitue une reconnaissance discrète des vies qui se sont épanouies en leur présence. En invitant ces échos historiques dans l’espace, nous honorons la continuité du savoir-faire artisanal et nous nous rappelons qu’un objet bien fait est à la fois un vecteur de création et de mémoire.

En plaçant ces pièces intemporelles aux côtés d’œuvres contemporaines et des outils de l’artiste – les croquis, l’argile brute, les œuvres en cours de réalisation –, nous rendons hommage à l’intelligence de la main, fil conducteur de l’histoire humaine. La présence de Subtile au salon Design Brussels témoigne de cette philosophie : le design ne se résume pas au produit final ; c’est l’aboutissement d’une histoire racontée à travers la matière. En tant que galerie, nous jouons le rôle de médiateur entre le designer visionnaire et le collectionneur, rejetant la standardisation de masse pour mettre en avant des icônes uniques, chargées d’âme.

Bienvenue dans une exploration de l’artisanat, de la matière et de l’âme du design moderne, où chaque objet est le prolongement de la vision de l’artiste — passée, présente et future.

Et encore une bonne nouvelle ! Nous sommes ravis d’étendre notre présence juste en face, chez Sam’s Scissors (Rue des sables 12), un salon de coiffure élégant et créatif dont le propriétaire a toujours nourri une véritable passion pour l’art et le design. Quelques pièces supplémentaires issues de notre sélection y seront exposées tout au long de l’événement - venez les découvrir pendant les heures d’ouverture du salon, et bien sûr le 30 septembre !

Créateurs sélectionnés :
Objects by Marie (Belgique)
Valentin Bony (France)
Clément Pasquier (France)
Glass Variations (France)
Cathy Deprez (Belgique)
Nina Dorfer (France)
Béatrice Pettovich (Luxembourg)
cc-tapis (Italy)

Artiste :
Patricia Sartori (notre hôte)

Vernissage: 24.09 à 18h

Duplex conçoit et produit du mobilier singulier et durable pour les professionnels. La matière première : des déchets industriels et des matériaux de réemploi. Tubes en acier rond et carré provenant de surproduction, résidus d'usinage de panneaux ou poteaux de bois, ou encore récupération de panneaux d'HPL. Ce que les industries délaissent devient la base de pièces uniques, fonctionnelles et pensées pour durer.
Dans ses ateliers de production d'Anderlecht, Duplex réunit design, fabrication et logique industrielle dans une approche concrète de l'économie circulaire, où le design ne s'arrête pas au dessin mais se confronte à la matière, aux outils et aux contraintes de production. Chaque pièce porte ainsi une histoire qu'aucun catalogue ne peut reproduire.

Vernissage: 25.09 de 16h à 22h

DUST NEVER SWEEPS explore les possibilités latentes dans trois espaces de la maison.

Dans POEM OF THE ACUTE ANGLE, des cales constituent la machine simple qui permet de niveler l’allée, première étape vers l’appropriation humaine d’une zone architecturalement réservée à l’automobile absente. Dimanche, cet espace accueille un programme cinématographique l’après-midi, évoquant des souvenirs d’événements passés à travers l’agglomération de poussières personnelles sélectionnées.

CROCANTINE installe un congélateur coffre au milieu du sol d’un garage suffisamment propre. À l’intérieur, quelques parfums de glace destinés à des archétypes spécifiques de la gourmandise.

Le salon se transforme en ANOTHER LIVING ROOM où l’on raconte les pertes, on montre les trouvailles, on accorde un accès provisoire, on neutralise les produits de l’économie du aggloméré en vue de leur assimilation, et on négocie un nouvel équilibre.

Au sein de la librairie Corpus, Nicolas Verschaeve présente des extraits de plusieurs projets conduits récemment en collaboration avec différentes manufactures. Installé entre Bruxelles et les Vosges du Nord, engagé depuis plusieurs années dans une pratique de terrain, il compose au fil de ses escales avec ce qui déborde des objets et ce qui les précède — un ensemble de paramètres géographiques, historiques, sociaux, économiques et politiques. Au cœur de son activité de concepteur d'objets et d'espaces, il cherche à révéler les forces agissantes à l'œuvre dans l'émergence des formes et des usages, rendant lisibles les processus qui façonnent nos environnements matériels. Nicolas Verschaeve préfère aux prouesses techniques les opérations raisonnées à l'échelle de la manufacture et de fabriques de semi-produits : une briqueterie en Alsace, une entreprise de manches d'outils en Bourgogne, une scierie en Moselle. Autant de collaborations qui révèlent le paysage productif qui subsiste dans un pays désindustrialisé. Des intuitions qui tiennent à exprimer — en conversant avec l'existant et par une économie de moyens — le champ des possibles encore à explorer, les opportunités désirables d'une production frugale à partir des forces en présence.

Vernissage : 23/09 de 18h à 21h en présence de l'artiste

Vernissage: 24.09 à 18h

Le studio Finkr est établit depuis bientôt 3 ans à Bruxelles. Nous aimerions présenter une série de produits réalisés pour nos client internationnaux mais aussi une nouvelle collection de produit en interne reflétant la DA/marque de notre studio.

par Charly Buron

Ouvert mi-décembre dans le quartier de Flagey, FLIPPER's - Original Burger marque un retour aux racines du Burger. Un projet pensé comme un hommage au goût fondateur du fast-food, celui qui traverse les générations et s'inscrit dans une culture, à l'image des frites en Belgique ou de la pizza en Italie. Fondé par Julien Van Espen, Basile Stein et Mardeen Benjamin, FLIPPER's est né d'une rencontre et d'un amour partagé pour le Burger. Ensemble, ils sont partis à la recherche de son essence, en s'immergeant dans sa culture originelle : celle du fast-food des débuts, quand la simplicité, le savoir-faire et la qualité étaient au cœur de l'expérience.

FLIPPER's incarne cette philosophie. Pas de Burgers réinventés ni de concepts tendance ici, mais un Original Burger, respecté et exécuté avec précision. Le Burger FLIPPER's est construit autour d'une recette de viande soigneusement élaborée : un mélange précis de morceaux de bœuf sélectionnés, avec le juste taux de matière grasse pour une texture juteuse et savoureuse. Le steak est fin, sans être écrasé, assurant un parfait équilibre avec le pain toasté, les garnitures et la Magic Sauce. La cuisson est minutieusement contrôlée pour offrir un steak grillé avec une fine croûte légèrement croustillante et un cœur tendre et juteux. L'offre comprend également du poulet et une option végétarienne, toujours guidée par la même recherche du plaisir.

Le menu est volontairement court et facile à lire : Burgers, frites, quelques accompagnements, sauces et sodas. L'essentiel, sans distraction.

La décoration intérieure prolonge cette philosophie. Lumineuse, claire et fluide, elle s'inspire du fast-food américain avec des cuisines ouvertes, où les techniques et les ingrédients sont fièrement mis en avant. Une opération simple et bien rodée, fondée sur la spécialisation et la constance, garantissant la même qualité jour après jour.

Le projet est incarné par Flipper, un dauphin qui porte l'identité de la marque et en étire l'imaginaire. Symbole de liberté, de fun et de mouvement, Flipper apporte à FLIPPER's un univers résolument californien, mêlant culture fast-food, soleil et légèreté. Une présence discrète mais structurante, qui donne au projet son ton, son énergie et sa personnalité.

La bande-son complète l'expérience, mêlant musique, sons de cuisine, grésillement du grill et conversations pour créer une atmosphère vivante, décontractée et accueillante. FLIPPER's est conçu comme un lieu ouvert à tous, sans distinction d'âge, de statut ou d'origine. Un espace de rencontre et de partage, où les clients viennent redécouvrir un goût simple et sincère, qu'ils reconnaissent et apprécient réellement.

Dès les premières étapes, le projet a été développé avec Charly Buron, qui a mené la direction artistique et l'identité de l'espace, en collaboration avec le graphiste Maxim Brillant, qui a contribué à la création de l'identité visuelle. Le projet a également été développé en collaboration avec le studio d'architecture bruxellois Elmēs, dirigé par Vinh Linh.

FLIPPER's - Original Burger

L’art de Mario Trimarchi est profondément philosophique et poétique. Le monde qui se déploie dans ses dessins en noir et blanc prend vie dans ses sculptures. Des matériaux lourds et bruts — pierre, bois, acier — entrent en dialogue avec des éléments fragiles et aériens — verre, plumes, fibres synthétiques — dans une harmonie intemporelle.

Brussels Design September a accueilli le designer italien Compasso d’Oro comme invité d’honneur. Sa première exposition personnelle à Bruxelles, Radical Landscapes, a ouvert le 11 septembre à A. Galerie.

Avant la projection de Ten Times Black, un documentaire sur sa pratique, à l’Institut culturel italien, nous nous sommes entretenus avec Trimarchi pour parler de paysages, de fragilité et du rythme du dessin.

Lisez notre interview avec Mario Trimarchi en anglais via le lien !

Portrait de Mario Trimarchi – Photo par © Fabio Viganò

Un concept d’abri modulable destiné aux personnes en situation de sans-abrisme, une installation en céramique inspirée d’un intérieur rural et des textiles fabriqués à partir de carton récupéré à Bruxelles. Fidèle à sa tradition annuelle, l’exposition collective « Future Generation: The MAD Graduation Show » met à l’honneur les lauréat·e·s du MAD Graduation Prize 2026 et présente leurs projets de fin d’études innovants. Pas moins de sept grandes institutions bruxelloises sont représentées dans l’exposition : l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, le College of Art and Design, les Ateliers Saint-Luc, l’École supérieure des arts Saint-Luc, la Haute École Francisco Ferrer, La Cambre et la LUCA School of Arts. Design textile, aménagement intérieur, mode ou design industriel : 14 jeunes diplômé·e·s exposent des projets marquants au MAD Brussels du 1er octobre au 12 décembre.

« Gilbard.e.s & friends by Gilbard.e.s and friends » est un no-show sur le temps, l’espace et la vie, le passé, le présent et le futur, les écologies et les économies, les matériaux de réemploi et la fabrication d’objets, l’artisanat, l’art, le design et l’architecture, les identités individuelles et l’énergie collective, le goût et le toucher, l’échange non-monétaire et la création de valeur, les ASBL et les entreprises, être people-pleasing et avoir des valeurs fortes, le marché et la politique, les humains ou plus qu’humains, avec et sans papiers, la musique et la danse, le fun et la douleur, live, laugh, love, la vie et la mort. Réalisé par des bénévoles, stagiaires, freelances, usager-es, ami-es, partenaires, voisin-es, résident-es, outils, personnes du coin, personnes venues d’ailleurs, membres du collectif. You Only Live Once. Préparez-vous pour un no-show.

Ouvert les vendredis de 13h30 à 18h00 Premier samedi du mois de 13h00 à 17h00 Possibilité de visiter également du lundi au vendredi, entre 10h00 et 18h00.
Réserver une visite avec les curateur-ices : info@gilbard.be

par Burcu Uslu

Vernissage: 24.09 de 18h à 21h

Cette œuvre traite des étapes que nous traversons tous, certaines plus stables que d’autres. Elle commence par du papier, ordinaire et fragile, qui se déchire facilement.
Grâce à un léger changement dans le processus de fabrication, ce même matériau devient suffisamment solide pour être cousu, brodé, et supporter un poids qu’il n’aurait jamais pu supporter auparavant.
Un simple changement délibéré. Et grâce à ce changement, le chapitre suivant peut s’ouvrir.

par Alexia de Ville

Vernissage: 24.09 à 18h

Artiste plasticienne et scénographe bruxelloise, je développe depuis plus de dix ans ma marque de papiers peints Tenue de Ville. En 2019, une réflexion écologique m’amène à revaloriser mes chutes de papier peint comme matière première. Cette approche m’a ramenée vers l’expérimentation et l’apprentissage de savoir-faire traditionnels comme le tissage et la céramique. Le textile occupe une place centrale dans mes recherches : je tisse des bandelettes de papiers peints teintes naturellement, dans un dialogue entre réemploi contemporain et héritage textile belge. Mes œuvres s’accompagnent souvent de formes sculpturales en bois ou en argile, évoquant la mémoire du geste et les traditions artisanales. Ma pratique s’inscrit ainsi entre durabilité, transmission et création contemporaine.

Green Fabric est un tiers-lieu textile engagé, un espace de création, de transmission et d’innovation où nous faisons ensemble, autrement. C’est un lieu où nous mutualisons les savoirs, les outils et les ressources pour rendre la création accessible à tous·tes. Par nos machines, nos savoir-faire et nos aménagements, nous soutenons des projets de création ou d’innovation durables en favorisant la récupération, l’upcycling et les pratiques éthiques. Notre lieu s’adresse à des publics variés : le grand public avec les ateliers créatifs et la mercerie de 2e main, les créateur·ices avec les espaces de travail partagés et individuels, les makers et artistes avec le fablab textile. Équipé de machines dédiées à la création textile, notre fablab est un espace partagé conçu pour le développement, le prototypage et la production. Nous encourageons les croisements entre textile, artisanat, technologie numérique et recyclage dans le but de développer ensemble de nouveaux outils et usages.

Vernissage: 25.09 à 19h

Avec « headspace », nous aménageons l'espace de vie d'une charmante maison de maître à Etterbeek avec des meubles et des objets créés par de jeunes designers et artistes. Nous créons un intérieur audacieux, mais néanmoins chaleureux et harmonieux. L'objectif est d'inviter les designers, les passionnés et toutes les personnes intéressées à se retrouver dans notre salon ! Le concept reste le même, mais après les contacts et les collaborations enrichissants de la précédente édition, nous souhaitons cette année mettre encore davantage l’accent sur le rapprochement entre artistes et designers. Au lieu de nous contenter d’exposer des œuvres, nous aimerions inviter les participants à participer à la curation et à la création.

Le projet prendra la forme d'un pop-up store éphémère, ouvert de septembre à janvier, pensé comme un espace de dialogue et d'expérimentation autour du design. Une sélection exigeante de pièces iconiques du design du XXᵉ siècle, associées à des œuvres d'artistes belges et internationaux, donnera naissance à des mises en scène immersives et expérimentales qui dépassent la simple présentation commerciale. L'installation sera conçue comme une expérience curatoriale où mobilier, objets, œuvres et livres d'art se répondent. Plus qu'un espace de vente, ce pop-up est imaginé comme un laboratoire vivant, où le design est présenté comme un langage culturel, un patrimoine toujours en mouvement et une source d'inspiration pour la création actuelle. L'objectif est de sensibiliser un public curieux à la valeur des objets iconiques, tout en mettant en lumière la richesse des pratiques artistiques contemporaines, belges et internationales.

En 2006, le titre de "Designer de l’année" était décerné pour la première fois en Belgique. Initiée par la Biennale Interieur, en collaboration avec Knack Weekend et Le Vif Weekend, cette distinction a récompensé dès sa première édition le designer bruxellois Alain Berteau. Au fil des années, de nouveaux partenaires ont rejoint l’initiative, qui s’est imposée comme une référence incontournable du design belge. Vingt ans plus tard, le palmarès dessine un panorama remarquable de la création contemporaine en Belgique. Céramistes, orfèvres, designers de produit, de mobilier ou d’éclairage : les lauréat·e·s se distinguent par une approche où innovation, singularité et conscience environnementale occupent une place centrale, au cœur de leur processus créatif. Parmi elleux figurent notamment Muller Van Severen, Alain Gilles, Nedda El-Asmar, Julien Renault et Linde Freya Tangelder. À l’occasion du 20ᵉ anniversaire du prix, les vingt lauréat·e·s sont réuni·e·s dans une exposition collective présentée au MAD Brussels, du 1er octobre au 12 décembre.

Designer franco-canadien de luminaires, Philippe Vasseur est spécialisé dans le recyclage créatif et l'écoconception, pour l'intérieur comme pour l'extérieur.

par İlayda Ergün

Vernissage: 24.09 de 18h à 21h

« Zui », inspiré du terme « zuihan » désignant un repas informel, confère une dimension cérémonielle et raffinée à l'art de la table. Ce service de table se compose de formes elliptiques et sculpturales évoquant des pierres zen taillées et polies, alliant courbes douces et arêtes vives. Conçues avec précision par CAD, chaque pièce a été modelée à la main à partir d'un modèle en plâtre, apportant ainsi une touche humaine à la conception technique. Un polissage manuel a ensuite permis d'obtenir une surface lisse et agréable au toucher. Afin de mettre en valeur la beauté brute du matériau, les surfaces non destinées au contact alimentaire ont été laissées non émaillées, offrant un contraste organique avec les surfaces fonctionnelles émaillées. Cette collection fusionne technologie moderne et artisanat traditionnel, transformant le repas informel en une expérience unique.

Une interview avec Gaëtane Van de Keere, Responsable de l’Engagement de la Marque

Le 2 octobre, le designer belge Jean-François D’Or présentera une performance unique avec le musicien Benjamin Glorieux au MAD Brussels, dans le cadre de l’exposition Trans-formations. Connu pour ses objets à la fois poétiques et fonctionnels, D’Or dépasse ici le cadre du design produit pour explorer un espace éphémère et multidisciplinaire où musique, écriture, installation et prise de risque se rencontrent. Nous l’avons interrogé sur sa performance à venir, sa philosophie du design et le fil conducteur qui relie deux décennies de travail créatif.


Lisez l'interview au lien !

par Studio Zazie Maquet

Journal à Stockel est une all-day kitchen & coffee pensée comme une maison de vacances en ville : un lieu lumineux, chaleureux et très familial, où l’on vient du matin au goûter pour un brunch, un lunch, un café ou une pâtisserie.
Inspiré des surf shacks californiennes, de la mer du Nord et des beach houses des Hamptons, l’intérieur mêle convivialité, détails soignés et atmosphère régressive.

KA PAI Studio et son atelier collectif, situé le long des voies ferrées de Schaerbeek, ouvrent leurs portes le temps d’un week-end de pratiques partagées et d’échanges. Inside / Outside invite les visiteurs à découvrir notre environnement de travail — un espace où la nature, les matériaux et des disciplines créatives diverses se rencontrent. Des œuvres en cours aux pièces finalisées, le studio devient un paysage vivant d’idées, où les pratiques se croisent, s’influencent et évoluent ensemble. Passez nous voir pour découvrir de plus près notre travail, échanger avec les artistes et explorer une sélection de pièces disponibles à la vente.

L'exposition rassemble des étudiants de l'atelier de design de produits de l'Académie des arts, de l'architecture et du design de Prague ainsi que des sculpteurs partenaires, et présente des œuvres issues d'une collaboration d'un semestre entre l'atelier, des ateliers de sculpture contemporaine et la fonderie Nosek, un atelier de moulage de métaux établi de longue date. L'exposition repense la quincaillerie de porte comme le point de contact le plus intime de l'architecture, où un geste physique singulier sert de médiateur à la transition entre le monde extérieur et l'espace domestique. En élargissant cette perspective pour inclure des reliefs ornementaux et des socles structurels, le projet transcende l’utilité pour explorer la frontière fluide entre le design fonctionnel et les beaux-arts. Chaque module d’installation sert de dialogue collaboratif, soutenant physiquement des sculptures empruntées tout en remettant en question la hiérarchie traditionnelle entre un objet d’exposition et son contenu artistique. À travers ces intersections interdisciplinaires, les œuvres explorent comment l’artisanat et la pratique contemporaine peuvent faire disparaître les limites de la fonction première d’un objet.

Artiste marqueteuse installée à Bruxelles, Suzanne Pietrzyk fait du placage de bois une matière à composer. Elle assemble placages de récupération et chutes en surfaces de marqueterie uniques, pour des objets et des œuvres murales. Chaque pièce est façonnée par le veinage et la couleur du bois récupéré dont elle est faite, avec une attention portée à l'approvisionnement local, au réemploi et à la réparabilité.

L3 est une suspension lumineuse réalisée à partir de culots de seringues médicales en verre réemployés. Le projet a été développé dans le cadre de l’initiative TRY AGAIN?, un projet de revalorisation de surplus industriels invitant artistes et designers à transformer des matériaux destinés à être détruits en objets durables et désirables. En transformant ces composants médicaux en élément décoratif, L3 propose une nouvelle lecture d’un objet habituellement associé au milieu hospitalier. Par la répétition et l’assemblage modulaire des culots, la lampe crée une structure légère inspirée des luminaires en cristal, jouant avec la transparence, la lumière et la géométrie. Le projet cherche à transformer un symbole parfois anxiogène en une présence lumineuse apaisante.

Leaf Lab: From Memory to Light Atelier de création d'abat-jour botanique Les plantes sont les témoins silencieux de nos vies. Elles marquent des lieux, des saisons, des célébrations et des histoires personnelles. Comment la nature peut-elle devenir à la fois art et design ? Lors de cet atelier créatif, les participants réalisent une composition botanique unique à partir de fleurs séchées, de feuilles et d'autres matériaux naturels. Accompagnés par l'équipe de Viaplant, ils composent un motif personnel qui sera ensuite transformé en une lampe artisanale. Cet atelier explore la rencontre entre la nature, le récit, la durabilité et le design contemporain. Chaque participant crée un objet unique tout en découvrant comment les plantes peuvent préserver des souvenirs et s'intégrer à notre quotidien.
Nous mettons à disposition une sélection soignée de plantes et de matériaux botaniques. Les participants sont également invités à apporter leurs propres fleurs, feuilles ou même un bouquet entier ayant une valeur personnelle. Les végétaux frais comme séchés sont les bienvenus et pourront être intégrés à la création. Pendant l'atelier, les participants conçoivent le motif botanique de leur abat-jour à partir de végétaux séchés et de matériaux naturels. La lampe artisanale est ensuite fabriquée dans l'atelier Viaplant après l'événement. La lampe terminée pourra être retirée dans un délai de quatre semaines à l'Institut Liszt Bruxelles. Il est également possible de la faire expédier à l'adresse de votre choix moyennant des frais de livraison. Les enfants sont les bienvenus, à condition d'être accompagnés et surveillés par un adulte.


INFORMATIONS PRATIQUES

Vendredi 02/10/2026 – 17 h et 18 h 30
Samedi 3 octobre 2026 – 10 h, 11 h 30, 14 h, 15 h 30, 17 h

Durée : 1 h 30 à 2 heures

Frais de participation :
128 € pour une lampe
110 € par lampe à partir de deux lampes

Lien d'inscription : https://viaplant.com/en/shop/workshop/leaf-lab-lamp-making-workshop-brussels/

Vernissage: 23.09 de 18h à 21h

Papier Boulettes est un projet de fresques monumentales en papier recyclé, né en 2021 à Bruxelles de la collaboration entre Maud Bocquet et Zélie Boulestreau.
Les fresques sont le plus souvent réalisées in situ, à partir de papier et de cartons glanés sur place. En s'inspirant de techniques d'isolation écologique, la pulpe de papier recyclé est déployée sur les murs. Ce procédé simple, entre art et artisanat, donne naissance à des motifs complexes, animaux, végétaux et minéraux.

Artiste pluridisciplinaire et directrice artistique de Papier Boulettes, Zélie Boulestreau apporte au projet son savoir-faire de papetière et son intérêt pour le vivant et la préservation des écosystèmes, nourri par sa connaissance des plantes qu'elle cultive dans son jardin pyrénéen.

Les Chercheurs de lumière est un projet dans lequel nous créons des images de personnes et les transformons en « lichtzoekers ». Ces images sont installées dans le centre de Bruxelles, suspendues aux façades ou posées contre elles, dans des postures qui suggèrent qu’elles grimpent ou tendent les bras vers le haut. Ensemble, les chercheurs de lumière forment un parcours à travers la ville. Ils invitent les passants à lever les yeux. Dans une ville parfois grise, ils nous rappellent le désir d’air et de lumière. Les chercheurs de lumière sont à la fois des habitants du quartier et des figures plus connues, des personnes aux origines et aux histoires diverses, qui composent ensemble la ville. Chaque modèle devient une partie du projet et, ainsi, d’un récit collectif.

Notre atelier sera ouvert les 25, 28 et 30 septembre ainsi que le 2 octobre,
de 9 h à 17 h.

LIONNES, un projet artistique collectif qui utilise le design comme outil d'émancipation, de création partagée et de valorisation des récits de femmes souvent invisibilisées.

salle Pandorre bâtiment L au rez de chaussée.

Notre programme, conçu comme un atelier à la fois mental et physique, est unique car il intègre la conception pratique au cursus. Il se veut un lieu de rencontre entre idées, expérimentations, matériaux et outils. Notre mission : concevoir est un processus vivant où la réflexion et l’action, dans une interaction constante entre le corps et l’esprit, se conjuguent de manière stimulante. L’ADN de LUCA repose sur le fait que les étudiants partent de leurs propres intérêts, passions et talents.

BASE+1 réunit le collectif bruxellois Espace Aygo et le commissaire Jan Boelen pour une conversation autour du design comme pratique vivante.
Que se passe-t-il lorsque faire, habiter et penser ne sont plus considérés comme des activités distinctes ? Que peut devenir le design lorsqu’il prend pour point de départ les matériaux, les lieux, les communautés et les réalités de la vie quotidienne ?
À travers cette rencontre, Espace Aygo et Jan Boelen partageront leurs réflexions sur les relations entre objets, espaces, usages et modes de vie, et sur la manière dont le design peut contribuer à imaginer de nouvelles façons de vivre ensemble.
Espace Aygo
Espace Aygo est un collectif bruxellois d’artistes et de designers qui explore les liens entre design, architecture, art et vie quotidienne. Leur pratique collaborative s’intéresse à la manière dont les objets et les espaces peuvent contribuer à imaginer de nouvelles façons de vivre ensemble, en plaçant la communauté, l’échange et l’expérimentation au cœur de leur démarche.
Jan Boelen
Jan Boelen est commissaire d’exposition dans les domaines du design, de l’architecture et de l’art contemporain. Il est le fondateur et ancien directeur artistique de Z33 et d’Atelier LUMA. Il dirige actuellement le programme de l’Aral School en Ouzbékistan. À travers ses projets et ses expositions, il invite à porter un regard différent sur les objets du quotidien et à repenser la manière dont le design influence nos façons de vivre et de penser.

Vernissage: 01.10 à 17h

À l'occasion de la Design Week Brussels 2026, Nous sommes ici ouvre les portes de son bureau, installé au sein du projet GROW, et invite Cru atelier à y présenter une exposition consacrée à ses recherches sur la matière et le design. Cette rencontre met en dialogue deux pratiques qui, à des échelles différentes, partagent une même manière de concevoir : une attention portée au processus, à la matérialité, au détail et à la mise en œuvre. Architecture et artisanat s'y nourrissent d'une réflexion commune où la forme émerge d'un dialogue entre contexte, matière, technique et usage.

Conçu par Nous sommes ici, GROW est un lieu de travail partagé organisé autour d'un jardin central. Développé à partir de l'existant, le projet privilégie le réemploi, les matériaux biosourcés et une architecture attentive aux ressources, au paysage et aux usages.

À travers cette journée portes ouvertes, Nous sommes ici partage son approche, fondée sur trois champs complémentaires : la stratégie, l'architecture et le paysage.

En résonance avec cette démarche, Cru atelier, fondé par Sarah El Yousefy et Nina Ouchinsky, présente une sélection de recherches, d'expérimentations et de prototypes développés depuis 2023. Terre crue, chaux, chanvre et fibres naturelles deviennent les supports d'une exploration du design, des savoir-faire artisanaux et des matériaux géosourcés, où chaque objet naît d'un dialogue entre expérimentation, technique et sensibilité.

Plus qu'une simple exposition au sein d'un projet architectural, cette rencontre révèle les liens qui unissent deux disciplines : la création comme processus, où penser, expérimenter et construire participent d'un même mouvement.

Le temps de cette exposition et de ces portes ouvertes, la rencontre entre Cru atelier et Nous sommes ici fait de GROW un lieu d'exploration, où architecture, design et artisanat dialoguent à travers la matière, le geste et le projet. Une invitation à découvrir le processus créatif qui relie la réflexion, l'expérimentation et la forme.

Horaires de l'exposition « Material Thinking » :
11 h - 18 h
le dimanche jusqu'à 16 h

Visites guidées de l'exposition « Grow » :
1er et 2 octobre : 14 h et 16 h

Materiatek est une bibliothèque dédiée aux matériaux et un pôle créatif situé à Bruxelles, qui rassemble des architectes, des designers, des marques et des experts en matériaux autour d’un intérêt commun pour les matériaux et leurs applications.
Plus qu’une simple bibliothèque, Materiatek est un lieu de découverte, d’échange et d’expérimentation. Grâce à sa collection de matériaux soigneusement sélectionnés, à ses expositions, conférences, ateliers et événements, il tisse des liens entre les matériaux, les pratiques de conception et les acteurs qui façonnent l’environnement bâti.

Lis la présentation d’Alphonse via le lien!

Lis la présentation d’Baci via le lien !

Lis la présentation d’Le Petit Bon Bon via le lien !

Lis la présentation d’Materiatek via le lien !

Lis la présentation d’Rambo via le lien!

Lis la présentation d’Swookies via le lien!

Lis la présentation d’The Unusual via le lien !

Une boutique de mobilier sur mesure au cœur d'Ixelles, ouverte au public pendant le festival.

La directrice curatrice du Museo Kartell, à Milan, fera le voyage pour une conférence lors de la journée exceptionnelle que le flagship store bruxellois consacre au festival et qui commencera au Design Museum Brussels, autour des pièces historiques de la collection Kartell et se poursuivra au magasin Kartell Brussels, suivi d'un cocktail en nocturne.

Vernissage: 24.09

Dans la continuité de U.NION, G&J CO.LAB poursuit sa recherche collaborative avec O.NION, un projet textile en constante évolution développé sous la forme d’une série d’épisodes. Le premier chapitre sera dévoilé en septembre. Avec O.NION, G&J CO.LAB explore le corps en tant que construction par couches — un espace de transformation où le textile, le geste et le mouvement interagissent. Le projet se compose de pièces textiles conçues à la fois comme une composition murale et comme des vêtements destinés à être portés sur le corps. Présentés à plat, les éléments existent dans un état suspendu — un moment de latence, en attente d’activation. Détachés et portés un à un, ils transforment progressivement la composition statique en une présence en mouvement. À l’instar des couches d’un oignon, chaque pièce agit comme une enveloppe : elle protège, révèle, dissimule et transforme. Par l’accumulation et le retrait, le corps est continuellement redéfini. Chaque élément est développé à l’aide d’une technique textile spécifique — tissage, tricot, feutrage, broderie, perlage — formant un vocabulaire de gestes et de matières. Le corps devient le lieu où l’œuvre s’active, où le textile quitte son état suspendu pour entrer en mouvement. Ce premier épisode se déploie à travers un monochrome noir profond, conçu comme une matière lumineuse et active.

OASIS.bxl accueillera deux expositions parallèles : l’une de l’artiste japonaise Yuko Nakaya, organisée à l’initiative de la galerie Arielle d’Hauterives, et l’autre en collaboration avec la Brussels Design Week 2026.
Pour célébrer ces deux événements, un dîner sensoriel aura lieu le 26 septembre. Le chef, chasseur-cueilleur, passionné de champignons, connaisseur de poivres et fermenteur anarchiste Dopamine Core (Jules Lavergne), aux côtés de la scénographe florale Ellea Cartier, créera une ambiance immersive et une expérience culinaire ancrée dans les traditions locales, avec des accents japonais en dialogue avec les installations artistiques existantes. Grâce à l’expertise culinaire de Jules et avec en toile de fond ces deux expositions qui se confondent, le dîner s’inscrit dans une dimension liminale issue du concept japonais de « Ma » (littéralement « intervalle, espace, pause »), où chaque participant devient un artiste, prenant part à la création de cet espace tout en embrassant l’idée d’être présent.

Vernissage: 24.09 de 18h à 21h

Du 24 septembre au 4 octobre, découvrez toute la richesse du design, là où les matériaux, l’artisanat, le jeu et l’imagination se rencontrent. Chaque objet évoque et raconte une histoire.
1. Cocono : l’artisanat belge, transposé dans des tapis contemporains où texture, proportions et matière ne font qu’un.
2. BLACH : miroirs sur pied et objets façonnés à partir de plastique recyclé, transformant ce qui est mis au rebut en quelque chose d’inattendu et de raffiné.
3. Monkey Balling : céramiques brisées, fragments de pierre, jeux et culture pop se rencontrent dans des objets ludiques et durables, porteurs de nouveaux rythmes et de nouvelles histoires.
4. ILAERG : céramiques contemporaines ancrées dans l’artisanat traditionnel. Zui, un ensemble de plats sculpturaux inspiré par des pierres lisses et taillées, célèbre à la fois la fonctionnalité et la matière première.
5. Sylvie Van de Walle : À mi-chemin entre l’art et le design, le récit et le jeu, son œuvre défie toute catégorisation et choisit plutôt de se situer à la frontière.
6. Goma Design Studio : Des matériaux mis au rebut et des matériaux naturels sont transformés grâce à une fabrication lente, à l’expérimentation et à la beauté du wabi-sabi, donnant ainsi un nouveau sens à l’imperfection.

OASIS.bxl est un espace indépendant situé à Bruxelles, conçu pour accueillir des projets artistiques, des activités culturelles et des communautés créatives. Lumineux et spacieux, ce lieu de 300 m² offre un cadre où différentes pratiques peuvent se rencontrer sans se limiter à un format unique. L’espace accueille des expositions, des concerts intimistes, des répétitions ouvertes au public, des ateliers, des résidences et des formats hybrides. Sa flexibilité permet d’accueillir aussi bien des événements grand public que les étapes plus discrètes de la création : expérimenter, se réunir, apprendre et développer des idées ensemble. Au cœur de ce projet se trouve une invitation simple : ouvrir les portes, susciter des liens et créer les conditions propices à l’épanouissement des idées. OASIS.bxl est un lieu où les artistes, les collectifs et les communautés peuvent façonner des rencontres enrichissantes à leur manière.

objets et design pour 'le coin' Combien de potentiel inexploité se cache dans les coins de nos espaces ? Ce projet de Matthieu Moons redéfinit les coins, en les considérant non pas comme subordonnés, maar comme des éléments de design à part entière. Trois objets témoignent d'une nouvelle approche du coin.

« Off the Grid » rassemble des designers contemporains dont les pratiques remettent en question les modes de pensée, de création et de présentation conventionnels du design. Refusant toute catégorisation simpliste, chacun suit une voie indépendante, célébrant ainsi la diversité des voix qui remettent en cause les systèmes établis et repoussent les frontières entre le design, l’artisanat et l’art.
Pour cette édition, Materiatek accueille trois créateurs, chacun sortant des sentiers battus à sa manière.
L'exposition présente :
Stan Vrebos — Architecture / pratique spatiale
Ani Bedrossian — Design textile
Amandine Fabry — Design textile / TramesFACTICES

Piovenefabi est un cabinet basé à Milan et à Bruxelles, fondé par Ambra Fabi et Giovanni Piovene, qui intervient dans les domaines de l’architecture, de la recherche urbaine, des expositions et du design public.
À l’occasion du vernissage de l’exposition « OFF THE GRID », Piovenefabi présentera l’exposition lors d’une conférence inspirante qui proposera une réflexion sur l’architecture en tant que discipline façonnée par le contexte, la forme et l’habitation, ainsi que sur des méthodes de travail qui dépassent les frontières conventionnelles.

par Noro Khachatryan

Vernissage: 25.09 à 16h

Studio ouvert présentant des œuvres nouvelles et existantes de studiokhachatryan, révélant l’évolution de sa pratique ainsi que son exploration continue des matériaux, de la forme et du savoir-faire artisanal.

par Atelier Moya, KitchenGravure by Lea, Bérénice Milon

Vernissage: 25.09 à 17h

Pour la BX Design Week, trois visions créatives complémentaires ouvrent les portes de leur showroom partagé. À la croisée de l'artisanat d'art et du design contemporain, cette exposition collective invite le public à un voyage immersif explorant le dialogue entre la terre, le papier et la forme. Atelier Moya : Encadrement sur-mesure pour les arts graphiques et design d'objet minimaliste. KitchenGravure by Lea : Estampes contemporaines éco-responsables et gravures d'inspiration brutaliste. Bérénice Milon : Artiste et designer, présentant une nouvelle collection de céramiques.

À l’occasion de la Brussels Design Week, OpenStructures organise un MARKET dédié aux petits meubles et objets utilitaires conçus et fabriqués selon son concept modulaire ouvert. Ce marché collaborative contient des lampes en cire naturelle de Baguette Studio, paniers et crochets de Diane Steverlynck et Maud Vande Veire, sacs et boites de Packbags, crochets muraux de Labt, ainsi que des pièces d’archives d’OS_Studios et quelques nouveautés. Toutes les pièces sont conçues selon les principes de l'économie circulaire : elles peuvent être démontées après utilisation et leurs composants réutilisés au sein du système ouvert. Si elles ne sont plus souhaitées ou nécessaires, les pièces peuvent être réintégrées dans le système, évitant ainsi tout gaspillage.

Studio Porcepolis est un atelier de céramique bruxellois qui s'inscrit dans une démarche d'économie circulaire et de production zéro déchet. Son travail allie artisanat, durabilité et esthétique contemporaine, avec une attention particulière portée aux objets fonctionnels tels que la vaisselle. Chaque pièce est façonnée à la main dans l'atelier, en utilisant autant que possible des matériaux de récupération ou d'origine locale. L'atelier intègre des techniques de surcyclage, transformant des éléments mis au rebut ou imparfaits en de nouvelles formes. Par cette approche, Studio Porcepolis interroge les cycles de production conventionnels tout en explorant le potentiel esthétique du réemploi. Le travail se caractérise par un équilibre entre simplicité et texture, où de subtiles irrégularités soulignent le caractère artisanal de chaque objet. Studio Porcepolis crée des pièces à la fois durables et porteuses de sens, encourageant une relation plus consciente avec les objets du quotidien.

Vernissage: 24.09 à 19h

Pour cette édition de la Brussels Design Week, Unveiled Collective participe une nouvelle fois, cette fois-ci avec son propre espace d’exposition. Sous le thème « REAPPROPRIATE », l’exposition explore la manière dont les contextes, les matériaux, les objets et les espaces existants peuvent acquérir une nouvelle signification grâce à des approches alternatives et à des actes de réappropriation. « Reappropriate » ne se limite pas à la réutilisation des matériaux, mais porte également sur la réinterprétation des fonctions, des récits et des perceptions. Les designers et artistes participants sont invités à engager un dialogue avec ce thème à travers leur travail. Le projet se déroule dans une maison de ville typiquement bruxelloise, située près de Flagey. Le bâtiment sera à terme transformé en galerie d’art et maison d’hôtes, mais avant sa rénovation, Unveiled occupe temporairement l’espace dans son état brut actuel. En donnant au site une nouvelle vocation temporaire, le lieu lui-même devient la première expression du thème de l’exposition. Son état inachevé constitue un élément essentiel du projet, permettant aux œuvres d’entrer en dialogue direct avec l’architecture.

LE COLLECTIF UNVEILED INVITE

Maxime Lahousse, Nicolas Rombouts, Hugo Simon, Bandwerk, Alexander Audenaert, Elias Vandelmeulebroeke, Inz tattoo, Louisa Moerman, Titus Hellouin, Diego Delay, Casper Jacquemyn, Sanja Cooreman, Bo Nevelsteen, Pauline Rosa Castelo Ortiz, Studio. ClaPo, Marthe Van Endert, Bocco Studio, Resitu, Luka Lavens, Loïse Martinage, Willem De Roo, CONCREET., Manon Viratelle, Lukas Mal, Marie Vilay, Studio Axrdoo, Maud Scheers

Vernissage: 25.09 à 16h

Nous ouvrons nos ateliers (bois et métal) pour montrer nos créations circulaires et les nombreux projets réalisés pour nos clients à Bruxelles.

Rond Carré Studio, créateur de la nouvelle identité visuelle du festival, évoque son travail, à la croisée de l'espace, de l'image et du récit.

Vernissage: 24.09 à 18h

ROVER est une start-up qui recense les déchets issus des industries locales et les réutilise dans la production de meubles. La méthode développée dans le cadre de ce projet inverse le processus de conception. Au lieu de partir d'une idée pour ensuite concevoir et matérialiser le produit, ce projet part de ce qui existe déjà. Ce faisant, il vise à changer la perception des déchets et à ajouter une nouvelle fonction au cycle de vie des matériaux.

À l'occasion des 20 ans du festival, et après une première édition l'an dernier, Shifting Ground revient à USquare avec A Garden Party, une exposition immersive construite autour de la fête comme espace de rencontre, de création et de réflexion collective. Elle réunit des designers belges et européens.
Le projet part d'un paradoxe : organiser une célébration à un moment où l'expression sociale, économique et créative est de plus en plus fragile. La garden-party, historiquement associée à certaines formes de privilège, y est réinterprétée comme un dispositif critique, une manière d'interroger nos façons de nous réunir et de célébrer.
La fête d'anniversaire du festival · samedi 26 septembre
Les vingt ans de Brussels Design Week se célèbrent sur le site de Shifting Ground. Gâteaux et surprises.
Avec : Aiko · Alizee Rubino · Anna Tou · Aria Ann · Ariane Van Dievoet · Arthur Van Buuren · Ascp · Atelier Burrata · Atelier Popi · Ateliers J&J · Béatrice Vancaillie · Blackwool · Antoine Guitou · Daphné Kéraudren · Dries Hamels · Emmanuel Hugnot · Erica Michie · Frausteiner · Grammar Furniture · Guillaume Slizewicz · Héloïse Sixou · Jb Gambier · Julia Lok · Kapai · La Gadoue · Le Bateau · Lieza Dessein · Louis Guay · Manon Viratelle · Mwo Design · Olga Flor · Pierre Emmanuel Vandeputte · Pierre Castignola · Raphaëlle Bosmans · Rover · Studio Minimètre

Vernissage: 22.09

La galerie Augusta présente Soft Assemblies, exposition de design qui met à l’honneur le tissage et le tressage de matériaux variés. À travers la recherche et l’expérimentation, six designers européens entrelacent des matières de réemploi et naturelles pour créer de nouvelles formes et transformer l’espace.

Pour cette exposition, Agnieszka Mazur présente ses lampes sculpturales et des objets réalisés à partir de sable récupéré, inspirés des châteaux de sable traditionnels des plages de Zélande. La collaboration entre Amandine David et Esmée Hofman explore les contrastes en associant techniques numériques et vannerie pour créer des contenants sculpturaux. Les designers textiles Juliette Berthonneau et Justine Gaignault jouent avec les textures, créant des contrastes entre motifs denses et zones translucides en feutrant leurs tissages de lin et de laine pour réaliser des textiles décoratifs et fonctionnels. Laure Kasiers présente de nouveaux tapis muraux aux motifs abstraits, réalisés selon une technique qu’elle a développée à partir de bandes tissées de laine et de lin.

L’exposition explore une nouvelle facette de la transformation de la matière à travers les liens, l’entrelacement et le rythme des couches successives.

Soft Assemblies à la galerie Augusta
24 septembre – 21 novembre 2026
Jeudi, vendredi et samedi, de 14 h à 18 h

Ouvert le dimanche 27 septembre
Fermé du 29 au 31 octobre.

Depuis plus de quinze ans, Studio with a View réunit designers, artistes, créateurs textiles et peintres décorateurs dans un atelier partagé. Après son déménagement de Molenbeek vers l’avenue Poincaré, le collectif poursuit un dialogue entre art, design et artisanat à travers une attention commune portée à la matière. À l'occasion de la Brussels Design Week, la cour couverte se transforme en une île accueillant une exposition collective de pièces, prototypes et recherches matérielles des résidents. Chaque pratique conserve sa singularité tout en participant à une réflexion commune autour du geste, du processus et de la matérialité. L'exposition cohabite avec l'activité quotidienne des ateliers, ouverts aux visiteurs tout au long de l'événement.
La journée débute à 11h00 autour d'un brunch partagé. L'atelier et l'exposition sont ouverts jusqu'à 18h00.

FLORA HUBOT
Flora Hubot axe sa pratique sur l’exploration de la surface, mêlant des techniques artisanales telles que la fabrication de papier et la peinture d’imitation. Son approche figurative, nourrie par l’observation de la société qui l’entoure, donne naissance à un univers singulier de formes, où la matière entre en dialogue avec l’image.

LAURE KASIERS
Designer textile et artisane, Laure Kasiers crée et fabrique des tapis, des pièces uniques pour orner sols ou murs, dans son atelier à Bruxelles. Grâce à une technique personnelle non-conventionnelle naissent des formes et des motifs souvent organiques.

NEL VERBEKE
Nel Verbeke est une designer conceptuelle et artiste, dédiée au potentiel émotionnel du design. Partant d’une recherche approfondie, elle conçoit des situations et des objets qui interrogent et transforment notre relation à nous-mêmes et à notre environnement.

PIERRE-YVES MOREL
Pierre-Yves Morel est un peintre décorateur spécialisé dans les imitations de bois et de marbres. Il travaille principalement dans des résidences privées et crée en parallèle des objets d’allure contemporaine en utilisant – voire en détournant – des techniques traditionnelles.

TERRAIN VAGUE
Terrain Vague est né de la rencontre entre le designer Damien Gernay et la céramiste Julie Istasse. Inspirés par les formes, les textures et les phénomènes naturels, ils créent des objets en céramique où dialoguent savoir-faire artisanal et nouvelles technologies. Chaque pièce est une invitation à ralentir, à observer et à renouer avec la nature.

par Mathieu Paradis

Vernissage: 24.09 à 18h

Cette série d’objets naît d’une question simple posée aux entreprises de vente et de location : que faites-vous de vos surplus ? C’est à partir de ces échafaudages récupérés, souvent mis de côté ou destinés à la ferraille, que la série prend forme. L’échafaudage, dans son usage premier, est un outil au service du chantier. Il structure l’espace, sup-porte les corps et les matériaux, disparaît une fois le travail accompli. Il est fonctionnel, temporaire et massif. Ici, il change de statut. En détournant sa fonction originelle, il devient une matière première à part entière. Ce n’est plus un moyen, c’est le sujet. Ses tubes, ses connecteurs, ses assemblages pensés pour la robustesse et l’efficacité sont réinterprétés pour explorer d’autres qualités : la légèreté visuelle, la suspension dans l’espace, la beauté brute d’un matériau industriel sorti de son contexte.

COLLECTION D'ACCESSOIRES Des accessoires (pour chiens) à double fonction. Une exploration de formes pouvant être utilisées aussi bien par le chien que par son maître. Une collection d'accessoires de luxe variés (ceintures, petite maroquinerie, articles lifestyle) dotés d'une double fonctionnalité : de la ceinture de poche pouvant servir de harnais pour chien au jouet pour chien pouvant également faire office de sac à main. Cette collection de maroquinerie allie des techniques industrielles (découpe au laser, couture à la machine) à des éléments artisanaux (couture à la main, fabrication de moules) pour renforcer le concept de dualité. Une collection lifestyle ludique pour vous et votre chien. Matériaux principaux : cuir tanné végétal, caoutchouc naturel, fourrure, laine Cette collection est le fruit de mes études de master à l’Institut Français de la Mode à Paris, que j’ai terminées en juin 2025.

thehotel.be

Dans une pièce sans fenêtre aux carreaux noirs dans mon atelier, je aimerais présenter quelques nouvelles créations réalisées cet été. Au centre, un lit en acier dont la tête et le pied de lit sont ornés de 70 boules de chêne noirci. Une matière brute pour des rêves doux. À côté, deux meubles en pin construits autour d'une forme trouvée métallique. Deux pièces uniques. Quelques lampes conçues au cours de l'année écoulée complètent cet aménagement, offrant un bel aperçu de mes deux premières années de Medium Triske (la partie design). En entrant, les visiteurs peuvent entrevoir l'atelier et se laisser divertir par quelques improvisations au luth.

The Dominican porte les traces d'un lieu de foi, de contemplation et de rituels collectifs.
The Secular Chapel explore la manière dont cette quête prend aujourd'hui de nouvelles formes. L'exposition réunit des designers qui développent objets, matériaux et récits comme autant de vecteurs contemporains d'attention, de désir et d'imagination.
Là où les chapelles étaient autrefois remplies d'icônes et de reliques, l'exposition présente une collection de nouveaux artefacts. Non pas comme des objets de dévotion, mais comme des invitations à la réflexion. Chaque œuvre propose son propre système de valeurs, une mythologie personnelle ou un futur possible.
L'exposition ne présente pas le design comme une solution, mais comme une pratique culturelle qui produit du sens. Les visiteurs sont invités à s'arrêter sur ce qui a encore de la valeur aujourd'hui, sur ce qui nous relie, et sur les récits que nous choisissons de transmettre.
The Secular Chapel n'est pas un lieu de foi, mais d'attention.
Avec : Atelier Contour · Æther/Mass · Casper Jacquemyn · Ekaterina Erchova · Hélène del
Marmol · Joris Hilfert · Joris Verstrepen · Robin Berrewaerts · Scar-Cériaux · Viva Sage
Thabethe

par Bernard Dubois Architects

Bruxelles est l’une des villes les plus méconnues d’Europe : sa réputation évoque un centre commercial et diplomatique gris, raffiné mais un peu distant.
Ce stéréotype passe à côté des courants vivants, ludiques et décalés qui ont toujours défini Bruxelles, de la bande dessinée aux courbes extravagantes de l’Art nouveau. Certes, c’est une ville de costumes et de salles de réunion, mais c’est aussi celle de la mode contemporaine, des marchés aux fleurs, de la musique New Beat et du design d’avant-garde.
Mais avant tout, Bruxelles est un creuset culturel, un carrefour où 183 nationalités, d’innombrables langues et des idées audacieuses façonnent l’avenir de l’Europe et du monde.
C’est en gardant ces courants à l’esprit que The Standard, Brussels a fait son entrée en scène. Le Quartier Nord offre le cadre idéal pour une nouvelle vision de Bruxelles. Dans ce quartier, les immeubles d’habitation et les tours de bureaux des années 60 ont remplacé une scène architecturale autrefois dynamique, introduisant un nouveau vocabulaire brutal : tout au travail, rien au plaisir. Plutôt que de lutter contre cette histoire, The Standard a cherché à la réinterpréter, à insuffler à son propre rectangle d’acier des touches de couleur, de chaleur et de verdure.
Le résultat est un hôtel qui rend hommage à l’histoire complexe du quartier tout en proposant une voie créative pour l’avenir. Implanté sur le site de l’ancien World Trade Center des années 1970, The Standard confère enfin au Quartier Nord un sentiment d’appartenance et une âme.
L’architecture est considérée à la fois comme un artefact et un cadre : son échelle et sa structure sont respectées, tandis que de nouvelles couches apportent chaleur, texture et interventions à échelle humaine. Là où certains voient Bruxelles comme une ville en conflit avec elle-même, The Standard a perçu une matrice de contradictions fascinantes à célébrer, et non à résoudre.
Le design établit un équilibre entre dureté et douceur, angles droits et formes organiques, pragmatisme et poésie. Cette tension anime un ensemble vivant d’espaces publics, de la serre du rez-de-chaussée à la salle à manger du dernier étage. Un mélange réfléchi de mobilier sur mesure et de pièces vintage fusionne passé et présent, tout comme The Standard juxtapose le haut et le bas, le futurisme et la nostalgie.
Chaque espace récompense la curiosité, la lenteur et le souci du détail. Les espaces intérieurs se dévoilent comme une succession de découvertes plutôt que comme de grands gestes.
Les espaces publics encouragent le mouvement et la spontanéité, tandis que les zones plus calmes invitent à la réflexion et au recueillement. Les matériaux s’inspirent de références locales – traditions artisanales, textures urbaines et riches palettes de couleurs – réinterprétées à travers un prisme contemporain. L’éclairage, l’acoustique et les rythmes spatiaux sont calibrés pour créer des ambiances qui évoluent au fil de la journée, reflétant le tempo changeant de Bruxelles.
La communauté est au cœur du concept. Bruxelles est l’une des villes les plus internationales d’Europe, façonnée par des échanges culturels constants. Le projet s’appuie sur ce dynamisme grâce à des espaces inclusifs et modulables qui allient à la fois une dimension locale et internationale. Les espaces communs servent de lieux de rencontre où se croisent résidents, visiteurs et créatifs. L’hospitalité est repensée comme une expérience civique, faisant de ce bâtiment à la fois un refuge et un lieu d’échange. En mettant en lumière ce qui a longtemps été négligé, The Standard, Brussels propose un nouveau récit pour le Northern Quarter et pour la ville elle-même — un récit qui célèbre l’innovation, la collaboration et le potentiel.
À travers l’architecture et la décoration d’intérieur, le projet ancrent un sentiment renouvelé d’appartenance, offrant à Bruxelles une scène sur laquelle ses histoires méconnues peuvent enfin être vues et ressenties.

Chaque année, les Commerce Design Awards dressent la cartographie des espaces commerciaux exceptionnels et accueillants, servant de guide pratique tant pour les habitants que pour les visiteurs de Bruxelles.

Inutile d’insister sur la manière dont le design façonne nos vies — mais lorsqu’il s’agit de commerces et de lieux d’hospitalité, une question fascinante se pose : qu’est-ce qui rend un espace commercial vraiment agréable ? Pourquoi y retournons-nous, encore et encore, avec enthousiasme ?

Les espaces commerciaux sont devenus des lieux de rencontre quotidiens, où le design ergonomique, les matériaux, le mobilier, les couleurs et l’éclairage influencent notre humeur, notre bien-être et notre expérience.

Cette année, le jury a évalué les candidatures sous toutes les dimensions de l’excellence — de l’originalité, la fonctionnalité et l’ergonomie à la conception du mobilier, l’aménagement, le choix des matériaux et les harmonies de couleurs.

Il a également pris en compte les solutions innovantes, la cohérence conceptuelle, la qualité visuelle et l’harmonie des formes. Une attention particulière a été accordée à la durabilité et à l’impact social, soulignant le rôle du design au-delà de l’esthétique.
Découvrez les réflexions du designer belge Alain Gilles, président du jury des Commerce Design Awards de cette année, dans notre interview exclusive, où il partage son regard sur le concours et sur les espaces lauréats qui nous inspirent tous.

Portrait d’Alain Gilles, Photo : Mathilde Hiley

Site officiel d’Alain Gilles : http://www.alaingilles.com/fr

Lisez l’interview via le lien ci-dessous!

L’exposition « Transcarpathian Slow Fashion » présente l’univers unique de la marque de mode hongroise BY ME, fondée par la créatrice de mode hongroise Tünde Hrivnák. Inspirée des traditions populaires hongroises et du savoir-faire artisanal, la marque transforme le patrimoine culturel en une mode de luxe contemporaine tout en promouvant la durabilité, l’identité culturelle et l’excellence artisanale. L’élément central de l’exposition est la Collection inspirée des motifs de Transcarpatie, une collection de mode contemporaine puisant son inspiration dans le patrimoine culturel hongrois de la Transcarpatie (la région la plus occidentale de l’Ukraine, où des communautés hongroises vivent depuis des siècles). La collection réinterprète trois traditions artisanales emblématiques de cette région : les textiles tissés à la main de Bereg, la broderie au point de croix de Nagydobrony et le patrimoine des motifs de broderie au point de croix de Bereg. Les créations associent le savoir-faire traditionnel au design contemporain, donnant naissance à de véritables œuvres d’art à porter. En complément de cette collection principale, l’exposition présente également un aperçu d’autres collections mettant en valeur des traditions dentellières uniques et d’autres formes d’artisanat d’exception. Dans leur ensemble, ces collections montrent comment l’artisanat traditionnel hongrois peut être préservé, revitalisé et réinventé pour le XXIᵉ siècle. « Transcarpathian Slow Fashion » célèbre le patrimoine culturel, un design conscient et durable, les œuvres d’art ainsi que l’importance du savoir-faire artisanal réalisé à la main.

Vernissage: 24.09 à 19h - 22h

IMAGINAIR est une galerie artiste-run à Bruxelles (Ixelles) spécialisée dans le design authentique, l’art et la photographie, fondée et gérée par les professionnels créatifs Katrien Vanderbiest et Geoffrey Lambert.
À l’occasion de la Brussels Design Week, la galerie inaugure sa troisième saison avec une exposition dans laquelle elle explore une nouvelle fois la frontière entre l’art et le design.
Dans le cadre d’UMBRA, IMAGINAIR réunit le travail du cofondateur et sculpteur/designer Geoffrey Lambert (né en 1985 à Bruxelles, en Belgique) et celui de l’artiste et graphiste de renom LUKASZ – Lukasz Kurzatkowski – (né en 1958 à Lublin, en Pologne), dont la succession d’artiste est représentée en exclusivité par Maurice Verbaet.
Avec une scénographie où l’espace entre les objets et les œuvres s’exprime tout autant que les objets eux-mêmes, IMAGINAIR invite son public à réfléchir à ce point de transition : là où le design ou la forme devient de l’art, et comment cela s’inscrit dans l’espace blanc entre les lignes.

Image 1_2 Lukasz Kurzatkowski, Linocut, Untitled, 2016, Zerkall paper. Courtesy of Maurice Verbaet Collection
Image 3_4 Geoffrey Lambert _ IMAGINAIR

Vernissage: 24.09 de 18h à 21h

Né à Anvers, originaire du Nord de l’Espagne, Angel Barrero se forme très tôt à la sculpture auprès de son père. Cette transmission artisanale fonde un lien profond entre savoir-faire traditionnel et création contemporaine. Maître contemporain du stuc-marbre et de la scagliola, il consacre depuis de nombreuses années ses recherches à ces techniques historiques, qu’il enrichit au fil de collaborations et de formations auprès de maîtres reconnus en France, en Italie, en Espagne et en Belgique. Aujourd’hui, il réinterprète ces procédés anciens dans une écriture singulière, à la croisée de la sculpture, du design d’objet unique et de la peinture abstraite expressionniste. Son travail a été présenté dans plusieurs galeries, notamment à New York. Il dirige également sa propre galerie à Bruxelles, entièrement dédiée à ses créations en stuc marbre.

Vernissage: 24.09 à 17h

"Deux univers en apparence différents et pourtant une même façon d’approcher le design.
Zoé explore la rencontre entre art, design et mémoire des objets. Depuis toujours chineuse, elle laisse chaque trouvaille guider la création : rien n'est dessiné à l'avance, l'œuvre naît du dialogue entre matière, volume et lumière pour créer une composition lumineuse. Sa démarche interroge notre rapport à la valeur, à la mémoire et au consumérisme, tout en révélant une beauté discrète dans l'imparfait, en replaçant des objets dans un autre environnement, un autre temps.

À ses côtés, Nathalie met en lumière les créations de femmes designers nordiques des années 50-70. Sa sélection d'objets, d'art et de meubles est à votre service, portée par l'envie de faire découvrir ces cultures à travers le design et l'art.”

Par évidence, quelques designers masculins ont rejoint cette sélection; uniquement pour la beauté de leur création. Ils étaient parfois les compagnons de ces femmes formidables.

https://www.upcycledbyzoe.be/ ; https://nordicartbywomen.com

En 2026, les Cristalleries du Val Saint-Lambert célèbrent leur bicentenaire. Pour marquer cet anniversaire, le Design Museum Brussels s’associe à plusieurs institutions muséales et scientifiques afin de mettre en lumière ce fleuron de la création et du patrimoine industriel belge. En collaboration avec le Musée du Verre de Charleroi et curatée par Catherine Thomas et Anne Vanlatum, l’exposition "Val Saint-Lambert & Design" se consacre à la création du Val Saint-Lambert, allant de l’Exposition universelle de 1958 au début des années 2000, une période qui témoigne d’un renouvellement créatif sans précédent. À travers cette exposition conjointe, le Design Museum Brussels et le Musée du Verre de Charleroi invitent ses publics à découvrir le Studio Crystal, chapitre fondateur de l’histoire contemporaine du verre, reflet du dynamisme, de l’innovation et du rayonnement international des Cristalleries du Val Saint-Lambert.

Un été vibrant, une terre ardente. Conversations botaniques entre art et design. L’été a toujours été une saison de liberté, de lumière, de voyage et de célébration. C’est le moment où la nature atteint son plus haut degré d’intensité et de couleur. Pourtant, ces dernières années, cette beauté éclatante s’est accompagnée d’une autre réalité : des vagues de chaleur prolongées, la sécheresse et des paysages poussés au-delà de leurs limites. Un été vibrant, une Terre en feu explore cet équilibre fragile à travers trois regards créatifs unis par un langage commun : LES PLANTES. Dans les bijoux en porcelaine de ZEMA, les objets de design végétal de Viaplant et les œuvres botaniques de Barnabás Szakács, la nature devient à la fois ornement, matière, mémoire et message. L’exposition célèbre la beauté et la richesse du monde botanique tout en posant discrètement une question urgente : comment pouvons-nous continuer à admirer la nature si nous ne parvenons pas à la protéger ? C’est une conversation où la nature trouve sa voix à travers l’art et le design. // Viaplant La nature devient matière. Viaplant explore le point de rencontre où la nature devient design. En utilisant de véritables plantes comme matière première, le studio crée des surfaces, des luminaires et des objets d’intérieur qui préservent la texture, la mémoire et l’identité des paysages botaniques. Chaque création nous invite à redécouvrir notre relation avec le monde naturel. Barnabás Szakács La nature devient art. À la fois architecte paysagiste et artiste visuel, Barnabás Szakács considère les plantes comme des archives vivantes plutôt que comme de simples motifs décoratifs. Ses œuvres associent la peinture à de véritables matériaux botaniques, révélant le dialogue fragile entre la nature, la culture et le temps. Chaque composition conserve les traces d’un paysage tout en proposant une réflexion sur notre relation en constante évolution avec la Terre. ZEMA La nature devient bijou. ZEMA est une marque hongroise de bijoux en porcelaine familiale, dédiée à la préservation et à la transmission aux générations contemporaines des valeurs culturelles et artistiques du patrimoine hongrois. Alliant un profond respect des traditions à un engagement envers l’art et la culture, ZEMA crée des collections de bijoux uniques entièrement conçues et fabriquées au sein de son propre atelier. La durabilité constitue un élément essentiel de la philosophie de la marque : tous les matériaux de production sont recyclés, garantissant un processus de fabrication sans déchets. Grâce à un savoir-faire exceptionnel et à un design distinctif, ZEMA réunit patrimoine, créativité et production responsable dans chacune de ses créations.

En septembre 2018, le designer Lionel Jadot inaugure Zaventem Ateliers dans une ancienne
fabrique de papier, à Zaventem. Le projet naît d'une ambition claire et visionnaire :
transformer ce site industriel en un hub contemporain et artisanal. Plus de 30 ateliers y
trouvent aujourd'hui leur place, aux côtés d'une grande cantine et d'une pièce centrale,
véritable eye-catcher, dédiée aux showcases et aux expositions.
Pour Lionel Jadot, Zaventem Ateliers est avant tout un point de rencontre porté par une
philosophie partagée : artisans, designers et créateurs s'y inspirent les uns les autres.
Créateurs de meubles, de luminaires, scénographes s'y côtoient au quotidien. Et malgré
cette diversité, l'esprit de village n'a pas disparu : les différents ateliers forment ensemble
une communauté aussi large que soudée.

Designers/Studios : Adeline Halot / Arnaud Eubelen / Arno Declercq / Arthur
Vandergucht / Atelier JJ / Aurélie Lanoiselée / Aurélien Veyrat / Basile Boon / Ben Storms /
Bram Vanderbeke / Cédric Van Parys / Céline Proust / Charles Schambourg / Clem Vanhee
/ Cristina Gusano / Dim Atelier / Emma Cogné / François Coppens / Futurewave / Grond
Studio / Home Sails / Jean-François D'Or / Jonas Moene / Joséphine Zitta / Krjst Studio /
Lila Farget / Lionel Jadot / Lucas Castex / Lunalotta / Maison Armand Jonckers / Marbled
Salts / :MENTALKLINIK / Mircea Anghel / Papiers Boulettes / Pascale Risbourg / Pierre
Coddens / Pierre-Emmanuel Vandeputte / Precious Peels / Rim Ram / Roxane Lahidji /
RSLT / Simon J. Callens / Sophie Coucke / Studio Élémentaires / Thibault Huguet / Thomas
Serruys / Touche-Touche / Vladimir Slavov / Xavier Servas.